KOKAMAMA
Abundancia divina Itersecciones entre Mito, Filosofía y Metafísica
Paula Otegui / Alejandro Thornton / Pedro Perelman / Jorge Opazo / Max Alyundi
Curador Daniel Fischer
Vernissage Viernes 21 de Noviembre 19 hs
Cierre 26 de Diciembre
Vistas lunes a Viernes 14 a 19 hs
Sábados por cita previa a nestorzonana@gmail.com
Juan Ramirez de Velasco 556 Pb - Villa Crespo
La leyenda de Mama Coca, arraigada en la tradición incaica, entrelaza el origen de la planta de coca (Erythroxylum coca) con temas de fertilidad, abundancia y conexión con lo divino. En este mito, Mama Coca, una mujer de gran belleza y prosperidad, se transforma tras su muerte en la planta de coca, símbolo de mediación entre lo humano y lo sobrenatural en la cosmovisión andina. Esta narrativa cargada de conceptos filosóficos y metafísicos sobre la interconexión de la naturaleza y lo divino, regresa en el mundo contemporáneo como posible rescate y señal de nuestras ideas en un mundo volátil, lleno de vertiginosas opresiones y una sociedad caracterizada por la inestabilidad, la incertidumbre y el cambio constante, en contraste con la "modernidad sólida" Según Spinoza, la naturaleza y lo divino están intrínsecamente unidos en la idea de 'Deus sive Natura'. De manera similar, el mito de Mama Coca presenta a la coca como un elemento mediador y sagrado que conecta a los humanos con lo sobrenatural. Como señala Catherine Allen (1988), 'la coca es un elemento intersticial entre los humanos y lo sobrenatural', lo que sugiere que esta planta evoca y señala correspondencias profundas entre lo subjetivo y lo objetivo, repensando así la relación entre lo espiritual y lo material. En este marco, Paula Otegui, Alejandro Thornton, Jorge Opazo, Max Alyundi, Pedro Perelman ensayan distintas estrategias y lenguajes en busca abrazar la potente y rica complejidad de la cultura andina, conectando debates actuales y ancestrales sobre la sacralidad de la naturaleza, el papel fundante de los símbolos en la mediación entre lo humano y lo trascendente y su posible función simbólica en la cultura. Pero también como elemento mediador, nos invitan a reflexionar sobre la relación entre lo humano y lo no humano, y cómo los símbolos y la naturaleza se entrelazan en nuestra cultura. desafiandonos a reconsiderar nuestras conductas, nuestra relación con el mundo natural y lo trascendente, nuestra visión sobre cómo transitar y volver sobre ciertos modos de vivir y estar en el mundo; Aprender a vivir juntos en el intento de respetar y cuidar, todo aquello que ha sido creado como un ecosistema abundante, sutil y necesario. Curador Daniel Fischer
MADE IN
Paul Sende
Curadora Ana Markman
Vernissage Sábado 27 de Septiembre 19 hs
Cierre 8 de Noviembre de Agosto
Vistas lunes a Viernes 14 a 19 hs
Sábados por cita previa a nestorzonana@gmail.com
Juan Ramirez de Velasco 556 Pb - Villa Crespo
Patrones curvos que copian nuestros movimientos, círculos enfrentados en una danza aleatoria infinita, un resorte de luz a punto de salir disparado, un tótem prismático brillante y colorido, una enorme forma zigzagueante y reluciente que podría mutar en cualquier momento. Este conjunto de rulos, rulemanes, aros, anillos, órbitas y espirales iterables al infinito se despliega en una plaza de juegos de otro espacio-tiempo que invita a circular, detenerse, alejarse y acercarse.
El taller de Paul es un laboratorio experimental. Para entrar, hay que atravesar una cabina de pintura casera. Es la fantasía de cualquier entusiasta del DIY. Aquí y allí, pequeñas piezas geométricas de colores cuya materialidad resulta un misterio. Algunas son de resina, otras son pruebas de impresiones 3D o maquetas de madera. Ahí es donde imagina sus obras, las boceta rápidamente en cuadernos o en la computadora y, cuando encuentra una idea o forma que lo convence, rehace los
bocetos con prolijidad para comenzar un proceso proyectual con la disciplina del diseñador, pero también del artesano que busca en los materiales las respuestas que intuye.
A simple vista, las obras Made in Paul Sende parecen productos industriales por su acabado. Una observación más cercana revela sus marcas artesanales. La tensión entre estos polos es una constante, no importa de qué materiales se trate, sean maderas, plásticos, metales. La luz es un material más. Su inventario morfológico es relativamente minimalista: se apropia de formas geométricas básicas mediante operaciones compositivas simples, plasmándolas en diversos soportes a través de procedimientos ad hoc. Sin embargo, en lugar de resaltarlas, su obra disimula las técnicas y tecnologías usadas, porque su objetivo no es el espectáculo ni la crítica, sino que son parte de su expansiva caja de herramientas para producir composiciones armónicas y al mismo tiempo inestables, que susciten experiencias estéticas dinámicas.
El universo Sende es cinético en el más amplio sentido: algunas de sus obras, como ÉTER, están dotadas de movimiento real. Otras son estáticas pero permiten más de una lectura por el movimiento del espectador o por algún efecto óptico que da sensación de movimiento. Es el caso de los cuadros lenticulares, que se insertan en la corriente del Op Art con su carácter inherentemente participativo. En este último tiempo, Paul se interesa también en el aspecto cultural o simbólico-poético de las formas. Por eso se refiere a la escultura modular LOOP como “la serpiente” aunque se componga de formas geométricas abstractas (y LOOP es un gran título porque remite a la repetición pero también a “serpentear”). Además, es reconocible su referencia a los juguetes de sistemas constructivos como el icónico LEGO.
Podemos decir que Paul partió de un arte concreto en el que los elementos plásticos se pretendían autosuficientes y transita por el arte cinético lumínico hacia un “cinetismo pop”. Esto hace a su obra más accesible, alejándolade la solemnidad de la abstracción pura y dura. La geometría es un lenguaje universal, pero puede resultar algo fría y hasta hostil. Nuestro primer impulso suele ser buscar caritas en los círculos, retornar a la figuración.
Si la obra de Paul siempre produjo una experiencia amable de la geometría en su búsqueda por democratizar el arte, su modo de ver la forma se “humanizó” aún más con la llegada de su hijo que lo impulsó hacia una dimensión lúdica. La escultura encastrable es como un juguete gigante Made in Paul Sende que todo el mundo desde edades 0+ puede disfrutar.
Ana Markman Septiembre 2025
DESHACER EL MUNDO
Adrían Sosa
22 de Agosto Inauguracion 19 hs
Cierre 23 de Septiembre
Curadora Eugenia Garay Basualdo
Texto de Sala Eugenia Garay Basualdo
Diseño de Montaje Nestor Zonana
Vistas lunes a Viernes 14 a 19 hs
Sábados por cita previa a nestorzonana@gmail.com
Juan Ramirez de Velasco 556 Pb - Villa Crespo
Deshacer el mundo, un mundo perdido en su propia oscuridad. Desataruna catarsis. Poner en acto, al mismo tiempo, todos los rastros de furia ytristeza, de lo humano, lo animal, en cada performance de sitioespecífico. Recapitular sobre origen, pasado y presente, para entender elporqué de la existencia en ese lugar y no en otro. Anhelar un futurodistinto. Vivir y revivir batallas propias y ajenas contra el mundo.Rebelarse en contra del destino para atravesar la guerra entre elprogreso y el hambre. Renegar.Poético y violento, el arte conceptual de Adrián Sosa (Monteros,Tucumán, 1994) se caracteriza por una honestidad brutal que cuestionala existencia humana. Con paisaje, cuerpo, gesto y herramientaintroduce al espectador donde la tierra da sus frutos y los obreros delcampo, los trabajadores golondrina y de la construcción, resignan sus vidas. Fuerza
Poetiza la ira contenida por generaciones a través del poder delaudiovisual pensando cinematográficamente la manera de situarnos ensu realidad. Reinterpreta el relato bucólico en el maltratado mundo delsiglo XXI, bajo el calor del sol tucumano, en el verdadero Interior, injusto,desolador. Reivindica la fuente laboral del pobre, nobles oficiosheredados, y protesta por la indiferencia de un mundo que interponeuna lejanía inmisericorde, completamente desprovista de conciencia,una indiferencia cínica (Oliveras, 2024).Cuatro obras relatan una historia sin principio y sin final. Las tres videoperformancesTierra baldía (Adrián Sosa-Walter Tolaba, 2017), Fuerzabruta (2020) y Cuando lo profundo está cerca (2023) producen signo,señal y señalamiento. Irrumpe la violencia como signo en la primera,aparece la señal de auxilio en la segunda y, corta dos rutas parademandar atención en la tercera.
El políptico Deshacer el mundo (2025) marca un punto de quiebre, aligual que esta exposición, con una serie ilimitada de machetas zafrerasdesgastadas y corroídas por el óxido, luego pulidas y grabadas, que seincrustan en la pared.Símbolos de un pasado cercano, cargadas con el trabajo rural precario,el esfuerzo físico constante, la inagotable necesidad porque sobreviva lafamilia, y ese sacrificio que no cesará a pesar de que las máquinasreemplacen la mano del hombre.Ésta acción de señalar proviene de todo un acto de rebelión colectivacuya raíz se encuentra en el Taller C de la Facultad de Artes de laUniversidad Nacional de Tucumán.
En su ADN podemos encontrar genes que provienen de una corrientepropia de arte conceptual, la tucumana, que experimenta a su ritmo ycon sus códigos, y cuenta con referentes como Marcos Figureoa, CarlotaBeltrame y Gelli González.En cuanto a los aspectos audiovisuales -técnico, estético-, resultaimposible no cruzar líneas con el cine de denuncia social de la granRegión Latinoamericana con Fernando Birri (1960) y la Escuela de Cinedel Litoral; la Estética del Hambre (1965) sobre el Cinema Novo brasileroque escribió Glauber Rocha, así como su Dios y el Diablo en la Tierra delSol (1964); la tangente abierta por Lucrecia Martel con Rey Muerto (1995)y La ciénaga (2001); y, con la más reciente, Siete Cajas (2012) de Paraguay.
Curadora: Eugenia Garay Basualdo
OBRA REUNIDA CORREGIDA Y AUMENTADA
Jorge Opazo
Curador Néstor Zonana
Textos de sala de Fabiana Barreda, Paula Dittborn y Gonzalo San Martín.
Vernissage Sábado 22 de julio 19 hs
Cierre 23 de Agosto
Vistas lunes a Viernes 14 a 19 hs
Sábados por cita previa a nestorzonana@gmail.com
Juan Ramirez de Velasco 556 Pb - Villa Crespo
Jorge Opazo estudió Comunicación Visual y Bellas Artes en Santiago de Chile. Ha participado en diversas exposiciones y obtenido becas y residencias en Buenos Aires, Santiago, Berlín, Chicago, Lyon y Belfast. Ha sido seleccionado en dos oportunidades en el Premio Itaú de Artes Visuales (2023 y 2010). En 2023 publicó la novela gráfica Mansión Masticante (Ril Editores, Chile). En 2022 y 2021 integró la muestra Fierro: Historieta Argentina en las Embajadas de Argentina en Alemania e Italia. En 2018 participó en la muestra Planches de Salut en la Cité Universitaire de París. El mismo año integra la muestra Habitar el Territorio en el Centro Cultural MATTA de la Embajada de Chile en Argentina. En 2017 obtuvo una Mención de Honor, categoría pintura, en el Salón Nacional de Artes Visuales. El mismo año, junto a la escultora Marcela Oliva, expone el proyecto Los Sofistas en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile. En 2013 fue Artista Invitado en el Lyon BD Festival en Francia. En 2012 participó en la muestra Bem Casados en Galería Gravura Brasileira de Sao Paulo. En 2010 participa en la muestra Mutaciones en el Centro Cultural Haroldo Conti y en la Segunda Bienal de Arte Latinoamericano del Bronx en la Gordon Park Gallery de Nueva York. En 2009 integra la muestra antológica 90 Años de Pintura en Chile en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago. En 2011 obtiene el Tercer Premio en el Ligatura Comics Festival de Polonia. En 2010 publica su primer libro de cómics, Humanillo (La Pinta, Buenos Aires). En 2008 fue Artista Invitado en el International Comic Art Forum ICAF de Chicago. En 2007 fue Artista Residente en el Festival Internacional de Artes Visuales FIX de Belfast, Irlanda del Norte. En 2005 realizó una Pasantía de Investigación y Trabajo en los Archivos del Instituto Di Tella de la Universidad Di Tella. En 2004 obtuvo una Beca DAAD en Artes Visuales en la Universidad de Artes de Berlín UDK, Alemania. En el año 2000 realiza su primera muestra individual, Nostalgia de la Superpintura, en el Museo Vicuña Mackenna de Santiago de Chile. En 1997 obtuvo un Primer Premio en la Cuarta Bienal de Pintura Gunther en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago. Vive y trabaja en la ciudad de Buenos Aires.
La variedad de formatos y técnicas de las obras aquí reunidas son testimonio de una exploración permanente; exploración en la que Jorge ha experimentado con diferentes superficies y materiales, pero también con imágenes de distinta naturaleza: artística, gráfica, infantil. El artista ha transitado con mucha libertad entre el campo de las artes visuales y la cultura popular, lo cual no solo se expresa en la recurrencia de figuras tales como Spider-Man y Hulk, sino también en los diferentes personajes de su propia autoría. Sus retratos, ambientados en entornos misteriosos y desolados, no solo tributan a la larga tradición de ese género pictórico, sino también a los superhéroes y demás figuras de ciencia ficción. De hecho, vistos en conjunto, estos cuadros parecieran ser las viñetas de una misma historieta, cuya diagramación de página permite las más diversas lecturas. Esta exposición, sin embargo, no se queda en lo meramente autobiográfico; por el contrario, sus obras nos invitan a recordar también nuestros propios fetiches de antaño, el momento y lugar en que emergieron nuestras inquietudes vitales, y la manera en la que pudimos (o no) darles curso.
Paula Dittborn
Sentados en dos sillas de una casa-taller del Barrio Bellavista, frente a frente, rodeados de miniaturas, entre las que destacaba la figurilla de un monstruo que representaba al germen de la fiebre tifoidea. Poníamos un vinilo con lo mejor de Burt Bacharach, nos servíamos dos copas de vino, adivinando que probablemente se convertirían en un par de botellas vacías que dejarían nuestros cerebros llenos de embriaguez, palabras y conjeturas nunca vacuas.
Recuerdo con cierto asombro que jamás perdíamos el hilo, había repetición de temas pero siempre surgían ideas nuevas. Comparábamos a 2001 con Solaris, a Will Eisner con Hugo Pratt, a Frank Miller con Muñoz y Sampayo, a Ironman con Yuri Gagarin. La “Psicopathia sexualis” de Robert Crumb nos sacaba estruendosas carcajadas mientras comenzaba a sonar “South American Getaway” de la banda sonora de Butch Cassidy and the Sundance Kid, sin saber entonces que Jorge también buscaría nuevos rumbos en Argentina igual que el célebre ladrón de bancos. Lo único que espero con esta divagación es alimentar vuestra curiosidad respecto al artista, abrir su apetito visual, y que quede instalada una pregunta casi palindrómica ¿Quién es Jorge Quien?
Gonzalo San Martín
La obra de Jorge Opazo/Jorge Quien es un complejo entramado de la potencia de las artes visuales y el cómic. Observar la poética que se desarrolla en las piezas del autor es poner en acción la construcción del Camino del Héroe, un arquetipo ancestral apropiado por el artista desde una reformulación contemporánea. Cuerpos, retratos, luchas, ideales y distopías se integran en esta muestra retrospectiva. Los recuerdos de Nippur de Lagash, Metal Hurlant, El Víbora, Guido Crepax, Blade Runner, nos asaltan configurando un héroe cada vez más extraño, filosófico y existencial. Este héroe, con olor a fanzine, coleccionable hasta el infinito, nos participa de su narrativa anticipatoria. Este personaje, monstruoso e hipersensible, este alienígena de cuaderno, eterno viajero del cosmos, navegante de submarinos amarillos. Este hombre-taza, junto a su dioses mayas, revive en cada aventura, comparte su épica diaria con nosotros, siempre niños, que hasta el día de hoy luchamos por nuestros ideales.
Fabiana Barreda
La casa madre
Paula Otegui
Curador: Samuel Dansey.
Vernissage Viernes 9 de junio de 2023 19 hs
Cierre 15 de Julio
Vistas lunes a Viernes 14 a 19 hs
Sábados por cita previa a nestorzonana@gmail.com
Juan Ramirez de Velasco 556 Pb - Villa Crespo
Paula Otegui pinta escenas que se entrelazan y en su deriva van construyendo grandes relatos. Escenas políticas, cuadros emocionales que funcionan como una teoría sobre las relaciones humanas, las relaciones de los humanos con la naturaleza y con el tiempo.
Pinta con mirada antropológica -ginocentrista, del griego antiguo, γυνή (gyné): mujer, y κέντρον (kéntron): centro. La perspectiva de la mujer como válido universal- y el curador varón se pregunta hasta dónde puede explicar lo que experimenta la artista mujer.
La artista que dibuja desde chica y se hizo adulta pintando y ahora está en una encrucijada. Ya no le alcanza pintar. La habitación está en penumbra. No sabemos a dónde vamos pero sabemos que esta muestra versa sobre la imposibilidad.
Extracto de texto de sala de Samuel Dansey Junio de 2023
Paula M. Otegui /Bs. As. 1974)
Es Licenciada en Artes Visuales, Profesora Nacional de Pintura y Grabado, UNA, Seminarios de Posgrado con el Prof. Juan C. Romero, talleres con Silvia Gurfein, Andrea Moccio, Marcela Gásperi. Actualmente cursando la Maestría en Estéticas Latinoamericanas Contemporáneas en la UNDAV. Entre 2020 y 2022 con el apoyo de Mecenazgo desarrolla el proyecto, Museo Portable, un libro/instalación donado a museos y bibliotecas de nuestro país.
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Premios y distinciones, 3° Premio Salón Manuel Belgrano, Museo Sívori, 2021. 1° Premio Bienal Nacional de Dibujo Museo Franklin Rawson San Juan, 2019. 1° Premio Concurso Artes Visuales Dibujo y Pintura, FNA, Casa V. Ocampo, 2016. 1° Premio Artista joven Banco Central República Argentina, MNBA, 2009, Gran Premio Joven Talento 3° Edición Premio Pintura Universidad UADE, 2008. 1° Premio Jóvenes Pintores Hebraica 2007; Mención Pintura Salón Nacional Artes Visuales, Palais de Glace, 2014, entre otros.
En 2017 realiza una Residencia en Casa de Velazquez, Madrid, con el apoyo del FNA. Dicha institución le ha otorgado la Beca de creación en Artes Plásticas en 2015. En 2013 obtiene la beca de subsistencia otorgada por Fundación Pollock-Krasner NY, y el Fondo Metropolitano de las Artes, CABA.
Ha realizado muestras individuales en BA: Galería Bustillo Banco Nación, Fundación Osde, Gal. Pabellón 4, Centro Cultural Borges, Galería Praxis y Diana Lowenstein Miami.
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Colecciones institucionales: Museo Timoteo Navarro Tucumán, Museo Prov. Bellas Artes René Brussau, Resistencia, Chaco; Museo Franklin Rawson San Juan, Banco Central de la República Argentina BA., Sociedad Hebraica, BA, UADE BA, Copime, Isev, BA. En EEUU, Haggerty Museum of Art, Marquette University Milwaukee, y Museo Nacional de Arte de China. Y colecciones privadas en Argentina, Paraguay, España, Colombia, EEUU, Italia, Inglaterra, Peru.
HBLM / TLKM (Háblame / Talk me)
Nina Staehli (CHE) & Alejandro Thornton (ARG)
Curador: Néstor Zonana
Texto de sala Rodrigo Alonso
Vernissage 31 de marzo de 2023 a las 19:00 hs
Cierre 20 de Mayo
Vistas lunes a Viernes 14 a 19 hs
Sábados por cita previa a nestorzonana@gmail.com
Juan Ramirez de Velasco 556 Pb - Villa Crespo
La exposición que se titula, “Háblame” “Talk to me” hará especial hincapié en una performance en la que dos personajes creados por los artistas, llamados “Yoshi” y “Natan”, Abordan temas como la soledad . Esta exposición invita a todos los espectadores a cuestionarse acerca de cómo se vive hoy en sociedad, cómo la soledad nos interpela en nuestro día a dia.
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En el marco de esta exposición, se estará dando a conocer la transformación de Pabellón 4, tanto en su identidad comunicacional como en la renovación del espacio que pasa de una sala de 50 metros cuadrados a 160 metros cuadrados. Este cambio, irá en búsqueda de exposiciones de mayor riesgo, con características instalatorias o de sitio especifico, sumando a la incorporación de 4 artistas jóvenes al staff de la galería
Los esperamos.
HBLM/TLKM (Háblame / Talk yo me)
Rodrigo Alonso
Desde su encuentro en Kansas City (USA) en el marco de una residencia artística, Nina Staehli (Suiza) y Alejandro Thornton (Argentina) han emprendido una colaboración signada por comunicaciones intermitentes. Sin embargo, ni la distancia ni las diferencias idiomáticas han constituido una barrera para que el vínculo creativo florezca. Así lo demuestran las numerosas exposiciones y obras conjuntas que la dupla viene realizando en casi una década de interacción.
Con estos antecedentes, no es casual que la exhibición HBLM/TLKM tome como eje central a la comunicación, tanto en su aspecto procedimental como conceptual: los trabajos que se presentan en ella son tanto una reflexión sobre los lazos sociales, la otredad y el lenguaje, como el resultado de un intenso proceso comunicativo.
Desde la perspectiva de la práctica, hay obras producidas a la distancia, compartiendo ideas, metodologías y materiales a través de la Internet. Un caso particular lo constituye un dúo de videos realizados a partir de las mismas grabaciones, pero editados por cada uno de los artistas en sus países. Aquí, el lirismo y el misterio que impregna la propuesta de Staehli encuentra un contrapunto en la travesía de ribetes ancestrales que da vida a la edición de Thornton. Como dato curioso, cada artista pareciera hacer un homenaje – quizás inconsciente – a su partener: en el video de la artista suiza aparecen referencias a los grafismos rupestres (el trabajo de Thornton se desarrolla principalmente en el universo de la poesía visual), mientras en el video del artista argentino son centrales las piedras y los rituales (que están en los orígenes de la escultura y la performance que frecuenta Nina Staehli). Otras obras requirieron del encuentro presencial que esta vez tuvo lugar en Buenos Aires. Así, fotografías intervenidas, piezas gráficas y textiles terminaron de concretarse en el diálogo directo que habilita la proximidad.
Desde la perspectiva conceptual, las reflexiones giran en torno a dos personajes que parecen extraídos de un ballet de la Bauhaus, Yoshi y NataN, que deambulan por vastos entornos en los cuales se acentúa su visible soledad. Esta situación de ser figuras sumergidas en el paisaje recuerda los acordes nostálgicos del romanticismo y las profundas introspecciones de la pintura metafísica. Ambos portan elementos de fuerte carácter simbólico y aspiran, quizás, a trascender su soledad construyendo lazos significativos con el exterior. Este deseo de comunicación desde el aislamiento adquiere un sentido singular tras las restricciones impuestas por la pandemia global reciente, que obligó a la desmaterialización de los vínculos interpersonales con la estricta separación de los cuerpos. Y si bien nada indica que las acciones de estos personajes remitan necesariamente al contexto pandémico, no puede pasarse por alto el modo en el que las imágenes que surgen de ellas reverberan en los acontecimientos de nuestro pasado inmediato.
En cambio, Yoshi y NataN existen en entornos ausentes de tecnologías, con propiedades geológicas y meteorológicas tangibles. En espacios sumidos en temporalidades diferentes a las de nuestra cotidianidad actual. De este modo, reclaman una identidad propia, unas motivaciones propias, un lenguaje propio, unas vidas propias. HBLM/TLKM nos introduce en su realidad singularísima invitándonos a habitar, aunque sea momentáneamente, la potencialidad de este (su) otro universo posible.
Rodrigo Alonso Marzo 2023
La sangre de la tierra
Jimena Brescia
11 de noviembre de 2021 al 28 de Febrero 2022
Texto de sala Joaquín Barrera
Curador :Néstor Zonana
Sonorización: En colaboración con Mercedes Sanchez Dansey
Hace un par de meses la rueda se detuvo por unos días. Las chimeneas de las fábricas se apagaron y el mundo -casi en un estado de shock séptico- dejó de producir cosas, bienes, materia, fungibilidades. En ese instante de pausa hubo un pequeñísimo lugar para la duda, para repensar todo de vuelta, para proponer nuevas formas de asociativismo y de consumo responsable. Fue solo una ilusión de un falso optimismo siniestro. El tráfico se reactivó y hoy parece ser un tránsito hacia un capitalismo aún más salvaje del que ya teníamos. Pero las preguntas siguen ahí.
¿De dónde vienen las cosas y hacia donde van? ¿Quién, porqué y para que las usa? ¿Quién las vuelve unidad y organismo? ¿Qué poder instituyente tienen? ¿Cuáles son los parentescos y las relaciones con otros objetos inter-pares? ¿Qué memoria guardan? ¿Cuál es su potencia mística? ¿Cuáles son sus otras vidas? ¿Hay futuro?
Jimena Brescia traza, a partir de sus obras, nuevas arqueologías de memoria erigidas sobre los restos del descarte de la sociedad del consumo. Es que el modo de construir sus esculturas, sus collages, sus performances y sus dibujos/objetos es a través del rescate de materiales abandonados, encontrados en la calle o en una obra en construcción para darle nuevas vidas, otras oportunidades, un nuevo recomienzo continuo. Sus operaciones estilísticas son absolutamente intuitivas, buscando porosidad en la forma de emparentar materiales, imágenes y formas. El resultado de esos parentescos – muchas veces forzados y hasta contrapuestos al mejor estilo warburgiano- son obras de apariencia fuerte, erguidas y poderosas pero que en su gesto mínimo nos devuelven imágenes frágiles y sensibles que evidencian lo personalísimo de la acción.
Es que en la obra de la artista la historia personal se cruza todo el tiempo con lo colectivo. El relato autobiográfico es, por decisión propia, una historia de sanación. De lo particular a lo universal es un mantra que se repite en cada acción, en cada repetición, en cada forma de apilar un objeto con el otro. Quizás encontrarle nuevos recorridos a los materiales sea una forma de curar sus vidas pasadas o de crear nuevos amuletos/talismanes/reliquias como un acto de fe hacia el futuro y, porque no, como un modo de resistencia.
Me gusta pensar a Jimena Brescia como una arquitecta de nuevos chamanismos contemporáneos, o mejor aún, como una maestra mayor de obra que a partir de rituales terapéuticos con materiales aparentemente rígidos diseña artificios inter-especies y nuevas formas de sanación colectiva. La acción es física, doliente, pesada, dura. Es arrastre, esfuerzo, performatividad infinita. Pero está cargada de densidad, de poesía desnuda, de recuerdos personales, de escenas domésticas, de pequeños gestos que evidencian sin tapujos lo que es lo sensible. Rehacer en pedacitos lo viejo, lo destruido, lo olvidado es una forma de intentar curar un cuerpo ajado.
Al utilizar el site-specific como un formato de producción y al mismo tiempo como un modo de ser artista, Brescia decide tomar el control de los espacios, las casas, los terrenos o las locaciones que utiliza para producir su obra y los resignifica, exponiendo a partir de esa acción una forma particular y propia de interrelación con ese viejo mandato de la casa propia. Quizás como un acto desesperado de búsqueda o como una forma de perderse para recorrer nuevos caminos, Jimena expande las fórmulas tradicionales de habitabilidad y ocupa nuevas geografías que marcan una presencia latente y nuevas formas de habitar los territorios. Por eso es que su producción para esta exhibición toma la totalidad del espacio creando nuevos paisajes visuales en donde la idea de un todo es más importante que lo particular, de algún modo una técnica más relacionada al collage que a la pintura. Estas obras entran en el plano de la sala como si fuese un lienzo para componer una sinfonía de imágenes prolijas y ordenadas y en donde cada decisión es fruto de ese deseo de crear un gran escenario universal del derrumbe consciente, del caos organizado, de lo roto y lo reparado, de la sanación emocional. Porque al final de cuentas, su forma de presentar esta nueva ecología de imágenes es un modo holístico de producción de visualidades, en donde todos los elementos que aparecen en sus obras forman parte de una constitución plural, un ente superior que lo organiza todo, una ineludible red de mutualidad donde se conjugan arte, materiales, vida, estética, drama y curación.
Joaquín Barrera
Malas elecciones cromáticas
Jorge Opazo - Marcela Oliva - Amanda García Martin
Agosto 12 a 30 de Septiembre 2021
"Malas Elecciones Cromáticas" reúne la obra de tres artistas: Marcela Oliva, Jorge Opazo y Amanda García. Escultura, dibujo y pintura se materializan en esta muestra que pone en evidencia la investigación de cada artista. Los reúne el cuestionamiento del color y la forma, y un especial interés por la ruptura de ciertos patrones relacionados a la observación e imaginación de la vida cotidiana.
Marcela Oliva Hay dos ideas que me molestan, progenitoras del daño: la una es el deber de reconocerse en una identidad unívoca; la dos es el pensamiento sobre la pureza. Aspiro ir en la dirección contraria y destruir, con sutilidad, las dos ideas. Ambigüedad e hibridez como dirección.
Suena ambicioso.
Trabajo con imágenes que juntan en una pieza dos o más ideas, referencias visuales. A saber: el relieve que va sobre pared es una cruza entre figuras repetidas en las ornamentaciones Déco de las casas de barrio y ciertos ritmos, formas presentes en culturas ancestrales, lo precolombino aborigen de nuestro territorio, la Serpiente zigzag. (El Déco es un estilo que recoge información de varias culturas, es híbrido y manchado en sí mismo, florece en variantes locales siempre diversas).
La otra, el Ciprés antorcha, nació de un dibujo libre con mi hija; paseando vimos un ciprés al borde de las vías del tren rojo, y mientras lo dibujábamos lo imaginaba como si fuera de fuego. La escultura es la cruza de ambas imágenes: un árbol con una fuerte dirección vertical (con toda la connotación que ese tipo de árboles traen, vinculados con cementerios, lo mortuorio, a modo de pasaje rápido entre el cielo y la tierra) y una llamarada. Así aparece la figura que, al pensarla en medio del espacio, es una llama votiva, para rodear, acercarse, un objeto de un tipo de culto, no se sabe cuál.
La tercera escultura, otra vez cruza de dos mundos formales: un relieve pronunciado, relacionado con el Modernismo en su versión Déco barrial, y recuerdos de hornos de fundición. Geometría controlada, simétrica, con un centro de donde surge algo así como la concreción sólida de una llamarada de soplete, o una bocanada de materia fundida. O lo que se desee ver en ella. En el lenguaje íntimo del taller, la llamo El volcán, El horno.
Suena a delirio.
Amanda García Martin “La piel nos delata, sus manchas, sus errores, sus heridas. Se nos dice que las tapemos, que imitemos al plástico, que no estemos arrugadas como la madera, que no cambiemos de color como las hojas, que seamos iluminadas y eternas. O por lo menos fingir. Pero nuestros pedazos de carne terminan por mostrar cómo fracasamos. Porque las heridas salen igual. También nos dicen que contemos, que mostremos la herida, oxigenemos, para que no se conviertan en tumores y nos maten. Nada sirve, todo intento es pérdida. Igual fallamos, elijamos el color o el material que sea. Igual lo intento, intento copiarte los colores, la forma en la que pintas y nunca puedo ser como tú, sigo mal y bueno basta, esto soy. Soy mis violencias, las que me hacen, las que te regreso, las que intento esconder y las que me aparecen dentro y quieren matarme. Eso está bien. Con mis dolores siento los tuyos, así te quiero, así puedo amarte. Tocando tu dolor, dejando que toques el mío; que me veas en mi intento y mirando el tuyo”.
Jorge Opazo En estas pinturas estoy jugando con los colores complementarios, un viejo recurso de la teoría del color muy aplicado a lo largo de la historia del arte. Un camino directo hacia los campos magnéticos donde todo es vibración. Pero complementarios no sólo desde el punto de vista del color. He estado pintando parejas de seres que al parecer se complementan en algún tipo de misión u observación del mundo. Estas parejas vibran en la ficción (su misión) y en la realidad (el color). Son dos y uno al mismo tiempo. Aunque tienen un aspecto que no es de este mundo podríamos decir que son observadores internacionales. También hay dos personajes solitarios: uno musculoso que corre al descampado y que al parecer estuvo en problemas. Y otro que hace una reverencia, como antes o después de un combate. Quizá chocaron entre sí, o tal vez van uno al encuentro del otro.
Un jardín en el espacio
Paula Sende
Junio 3 a julio 30 de 2021
“Un Jardín en el Espacio” propone un recorrido por diferentes sistemas visuales abstractos que hacen foco en la percepción.
Cada uno de estos universos presenta una técnica distinta, explorando diversos soportes, materialidades y modos de producción, yendo desde esculturas lumínicas, estructuras tridimensionales a serigrafías.
Estos recursos que a la vez amplían el conocimiento y median la experiencia están dispuestos como una ficción geométrica que, protagonizada por fenómenos físicos, deja a la humanidad en un segundo plano. Mientras las piezas de luz sugieren un paisaje sintético y modular, las obras gráficas proponen una colección de eventos a distintas escalas. En su convivencia articulan un ecosistema que se sitúa en la delgada línea entre lo artificial y lo natural.
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"A Garden in Space" proposes a journey through different abstract visual systems that focus on perception.
Each of these universes presents a different technique, exploring various supports, materialities and modes of production, ranging from light sculptures, three-dimensional structures to serigraphs.
These resources that both broaden knowledge and mediate experience are arranged as a geometric fiction that, starring physical phenomena, leaves humanity in the background. While the pieces of light suggest a synthetic and modular landscape, the graphic works propose a collection of events at different scales. In their coexistence they articulate an ecosystem that is situated on the fine line between the artificial and the natural.
Arte Feminista: Lo personal, cada día más político
Marzo 6 a junio 12 de 2021.
Ver la exposicion virtual en 3D
www.artfocuslatinoamerica.com
Marzo 6 a junio 12 de 2021.
Artistas: Nereida Apaza Mamani, Claudia Casarino, Ana De Orbegoso, Colectiva Hilos, Isabel Guerrero Encinas, Catalina Jaramillo Quijano, Silvia Levenson, Nicole Mazza, Celina Portella, Ángela Restrepo, Natalia Revilla, Judith Romero y Annette Turrillo
Arte Feminista: Lo personal, cada día más político, es una muestra realizada por Art Focus Latinoamérica, la primera asociación de galerías de arte de Las Américas, integrada por galerías de Argentina (Pabellón 4 Arte Contemporáneo), Brasil (Zipper Gallery), Colombia (Policroma Galería), Estados Unidos (RoFa Projects), México (Galería Quetzalli), Perú y Uruguay (Del Paseo).
Art Focus Latinoamérica es un colectivo cuyo objetivo principal busca fomentar el desarrollo del arte de las Américas en forma conjunta, totalmente colaborativa y a nivel global. Así como favorecer la difusión, promoción y comercialización de las obras de los artistas que representan a través de prácticas curatoriales y exposiciones realizadas con reconocidos curadores y referentes de América, en colaboración con coleccionistas de arte.
En esta ocasión Cerrucha realiza el texto curatorial de la muestra. Cerrucha (México, 1981) es una artivista feminista que trabaja con fotografía, performance e intervención del espacio público. La estética relacional es el núcleo de sus proyectos participativos, donde explora la construcción social de la otredad. Su serie “Mapping Skin Deep” fue nominada al Premio de Arte Público 2017 (EE.UU. / China). Tiene un BFA en Fotografía de la Universidad de Concordia (CA) y trabaja como facilitadora y consultora contra la opresión para varias organizaciones y ha recibido comisiones de ONU Mujeres Francia, la Secretaría de Relaciones Exteriores y el Congreso entre otros. Su último proyecto, "Trinchera", es una instalación fotográfica permanente que retrata más de 100 mujeres unidas cubriendo todo un tren del metro de la Ciudad de México.
Este grupo de galerías escogen como eje temático el arte realizado por mujeres, en el mes histórico de la mujer para honrar, apoyar, denunciar, valorar y educar a través del arte.
Como lo menciona Cerrucha en su texto, “la presente exposición observa cinco temas recurrentes en los que se inscriben las obras: el hogar, el cuerpo, el lenguaje, la visibilización de las mujeres y el uso del soporte textil. Al representar los cuerpos, las subjetividades y los vínculos de formas no hegemónicas, las artistas reivindican la dimensión política de la vida privada.”
Con esta exposición, seis galerías y trece artistas demuestran que “el arte y el movimiento feminista van de la mano desde sus inicios. El poder que tienen las obras para interpelar al público tiene un objetivo mayor y colectivo: el cuestionar y con ello ayudar en la transformación de nuestro contexto para que las mujeres y niñas podamos gozar de una vida libre de violencia. El arte feminista es un acto político.” como afirma Cerrucha.
También contamos con la colaboración del reconocido coleccionista Eduardo Salazar Yusti, consultor en temas de estrategia empresarial, co-fundador e inversionista en temas de educación y tecnología. Convencido del poder social del arte, hace parte de varios proyectos culturales y es un miembro activo de la junta directiva del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO). Junto a Juliana Hernández, su pareja, son coleccionistas de arte contemporáneo con un énfasis en la producción artística de mujeres latinoamericanas.
Eduardo Salazar hace una invitación y recomendación con su participación en esta muestra: “Siempre existe la cabida de una pieza de arte comprometido. La invitación es a darle la equidad y el lugar que se merece. Este arte empoderado, hecho por mujeres, enriquecerá sin duda cualquier colección.”
Las ruinas que el vacío dejó
Inauguración 15 de Octubre de 2020 19 hs
Cierre 18 de Diciembre
Visitas lunes a viernes de 14 a 19 hs
¿Es posible construir desde el vacío? ¿Desde la ausencia? ¿Desde el abandono? ¿Queda algún residuo, algún resto que habilite una nueva enunciación, la reconfiguración de algo nuevo?
Aristóteles rechazó la idea del vacío porque no permitía el contacto entre las cosas, una inexistencia aparente de materia, con dimensiones espacio-temporales indefinidas. De ser así, ese contacto que el vacío impide, lo proyectamos, lo completamos. El cerebro humano no puede tolerarlo, adjudicándole un significado a todo lo que nos rodea.
No puede haber existido jamás el tiempo vacío, en que no hubo ni ocurrió nada. De la misma forma, es improbable un espacio vacío desvinculado de la materia y de su movimiento, ya que es lo que determina su posibilidad.
En esta exposición la luz funciona como señuelo, delatando lo que ya no está. Pero deja pistas para su reconstrucción, para la revelación de su origen. Las obras se constituyen a partir de la ausencia. Sus características se mantienen, pero el objeto se nos escapa.
A pesar de las apariencias, la obra de Paul Sende no tiene colores; salvo en los márgenes, su fondo es completamente blanco. Sin embargo, cada una de las superficies que la compone tiene un baño de luz que se proyecta y lleva a suponerlas plenas. El cerebro posee la capacidad para inventar la realidad o redondearla, cuando un detalle de la experiencia se presenta como inconcluso. Pero también nos engaña a través de ilusiones perceptivas.
La pieza se configura como un link, un hipervínculo que desde un diseño digital primigenio, encuentra su expresión física en un formato analógico y artesanal. Y abre un portal de un universo hacia otro probable.
Mariela Yeregui, junto a Marlin Velasco, transita por los límites de una ciudad. Dos jurisdicciones, distintas leyes, distintos presupuestos, distintas políticas divididas por una gran avenida: la General Paz. Una pantalla conectada al GPS dibuja sus recorridos, derivas siempre disímiles, a ambos lados del territorio. Tenemos las huellas, los planos, para desandar el camino y buscar las intervenciones que las artistas dejaron incrustadas en el linde, como mojones que revelan su andar.
Se extrajeron pruebas que fueron analizadas minuciosamente para ubicar los bordes reales, más allá de lo que dicta la cartografía. Esos testimonios se reciclaron y convirtieron en dispositivos, que serían luego devueltos para establecer una nueva demarcación. Cada pantalla que forma parte de la instalación remite a un día de pesquisa, y en ella vemos el itinerario que traza el curso hacia el área donde comienza el espacio residual y la entropía.
Jorge Haro enfrenta al espectador con una presencia fantasmal, un espectro, en las diversas acepciones del término. Una serie de haces de luz delinean un movimiento, indicando determinadas frecuencias e intensidades. Pero, ¿de qué? Del elemento que alguna vez lo originó: un sonido que no podemos escuchar, sólo imaginarlo o deducirlo a partir de la información brindada, y recién entonces completar la dimensión auditiva de la cual ahora carece.
La materia (el sonido) y el movimiento (ondas, vibraciones) son inseparables. La materia encuentra en el movimiento uno de sus atributos y formas de exhibirse. Su visualización permite el resurgimiento del componente ausente. Emerge como un indicio, un sedimento que hace su aparición a través de mecanismos lumínicos que impiden su pérdida.
Javier Bilatz pone en relación evidencias de tiempos diferentes, unidas por un mismo código. Una ruina, vestigio probable de alguna civilización, exhibe en su superficie una escritura apócrifa. El símbolo matemático del vacío (ø) sirve de base a toda una serie de signos, conformando una lengua desconocida y aparentemente incuantificable en su configuración.
Este resto encuentra un eco en una estructura moderna, tecnológica, que en su superficie replica y diversifica los símbolos de la placa de arcilla. No hay una interpretación de los mismos a priori, pero tampoco importa cuando la escritura es una convención en sí misma. En algún momento le atribuimos un sentido a una serie de líneas que bien podrían haber sido otras. No obstante, el significado que le asignamos a esas líneas no es inocente, se encuentra más bien en permanente estado de pugna por definir aquello que designa.
Probablemente la música, junto a la poesía, sean en su estructuración las disciplinas artísticas más ligadas a la matemática. Pocos años atrás, una estrategia nueva de composición apareció en los entornos digitales, el bytebeat, diseñado para generar música a partir de fórmulas y operaciones aritméticas muy simples de una sola línea de programación.
En una nueva traducción entre lenguajes, Diego Alberti desarrolla un dispositivo lumínico que genera patrones visuales en base a este código; conformado a partir de caracteres cuyas combinaciones parecen infinitas pero no lo son, ya que se encuentra limitado a un cierto rango de valores. Cambiar una letra no implica sólo cambiar una nota, sino modificar la melodía, sin conocer por completo de manera previa el efecto derivado. Esa escritura básica, arbitraria, inventada por nuestra civilización, da paso ahora en su simpleza a expresiones múltiples, habilitando campos que paradójicamente implican ceder el control.
El vacío no es la nada, es una forma de manifestación de la materia, habitada por fuerzas, y si no podemos verlo, sí podemos observar sus efectos. Si somos capaces de generar construcciones simbólicas a través de sus medios de existencia, entonces lo impregnamos de significado.
Somos testigos de una pandemia que tal vez cambie la percepción que tenemos de las palabras y las cosas. Producimos a partir de algo que no está, que quizás nunca estuvo. Nuevamente, los artistas nos dan una pista: otra concepción del mundo es posible.
Evelyn Sol Marquez
[im]percepcion
Inauguración 14 de Marzo de 2020 19 hs
Cierre 20 de Abril
Visitas lunes a viernes de 14 a 19 hs
En “[im]percepcion" Villafañe continua trabajando con el movimiento y los efectos ópticos que se generan al superponer patrones geométricos rotativos, en esta serie Villafañe ltrabaja con obras cinéticas con tecnología y movimientos micro controlados. Fusiona poéticas visuales que se producen a través de la geometría sensible, en las sutiles vibraciones casi imperceptibles, en el efecto moire y en la representación visual de la vibración del sonido.
En las Puertas de la Percepcion Adolf Huxley experimenta y registra su experiencia con el mezcal. A partir de la frase de Blake, Huxley busca la alteración de los sentidos, esa distorsión que le permitiría arribar al encuentro con otras realidades, de espacios desconocidos, de alteridades imaginadas.
Ahonda en la teoría de una capacidad limitada parapercibir la realidad del todo. ¿Que se esconde detrás de lo que nos rodea? ¿No es quizás esa búsqueda y el cuestionamiento supremo de pensadores? Tal vez Blake tuviera razón y la respuesta sea contundente: Tal vez se encuentre el infinito.
A/MOR (poética del decrecimiento)
Rubén Grau
Inauguración 3 de Agosto, 19 hs
Cierre 21 de Septiembre
Visitas: lunes a viernes 14 a 19 hs
Sábados por cita previa a galeria@pabellon4.com
Rubén Grau vivió en Brasil entre 1984 y 1988, donde realizó investigaciones antropológicas, exposiciones y acciones ecológicas. Regresa a Buenos Aires, forma junto con Juan Le Parc, Teresa Volco, Juan Carlos Romero , Adriana Barassi,Verónica Artagaveytia, Alcides M. Portillo, Perla Benveniste, entre otros, el grupo Patio de los Naranjos C.C.R y Con¬fluencia (1988-1992) Realizan performances, acciones simbólicas y ecológicas ,entre ellas Land Art : Encuentro en la cumbre de dos mundos . Aconcagua – Mont- Blanc, Centro Cultural Recoleta y Espacié, París. Proyecto Aconcagua. Land art. Ascenso y acciones múltiples Museo Arte Moderno, Mendoza. - Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires - Espacio Latinoamericano de París. También participa en acciones del grupo Escombros entre 1989-1993 (artistas de lo que queda) y en las XI y XIII Jornadas Internacionales de la Crítica organizadas por CAYC, Jorge Glusberg. En 1997 su instalación ¿Donde? y la acción ecológica Memoria del Rio, representa a Argentina junto a Marta Minujin, Luis F. Benedit, Gallardo y Dompe. Participo en numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Su obra integra colecciones en nuestro país y el exterior, es de destacar que es el único artista argentino contemporaneo cuya obra integra la Sammlung Marzona en Alemania, considerada una de las más importantes colecciones del mundo en arte povera, mínimal y conceptual.
A / MOR
(Poética del decrecimiento)
«Todavía no hemos aprendido a hacer el amor, a respirar el polen de la vida, a despojar a la muerte de su traje de culpas y de deudas; todavía hay muchas guerras por delante, Acteón, los colmillos volverán a clavarse en tus muslos, en tu sexo, en tu garganta; todavía no hemos hallado el ritmo de la serpiente negra, estamos en la mera piel del mundo y del hombre.»
Julio Cortázar, Prosa del observatorio
Una noche de taberna, en los años ochenta, compartiendo un néctar rubí. «A vida é um papo de bar», escribió Hermeto Pascoal en mi libro de Rilke (Cartas a un joven poeta) cuando le pedí un autógrafo en São Paulo. Un poeta amigo me preguntó: «¿Sabes qué significa “Amor”?… A / mor (sin / muerte)». Esa etimología ¿fonética? («El origen del lenguaje es onomatopéyico», Walter Benjamin) abrió un universo y alimentó varias de mis obras. Esa relación Amor-Muerte –«El hombre para renacer debe morir, más para morir debe despertar»– iluminó su vasto sentido cuando leí la frase del poeta de la inacción y la soledad Macedonio Fernández: «La del amor, la única muerte». Y luego otros referentes que me recordó mi amigo Antoni, y que hacen alusión a amor est mors o la muerte mística.
En algunos de mis trabajos en el campo de la poesía visual-objetual, indago las resonancias, las amplificaciones o el desgaste del sentido de las palabras, de las cosas, la poíēsis de los oficios y la posibilidad de restaurar su aura. En este caso la palabra Amor: sublime palabra amenazada, a veces desgastada, hasta el punto de ser un mínimo hilo de agua en el desierto.
Sobre la obra Re-construcción A.M.O.R. que construí con 600 ladrillos cerámicos: «Lo simple, lo tenue, lo mínimo, se conjugan en el Uno». Como constructor siempre me maravilló el ladrillo, ese mínimo elemento constructivo que, ligado a cuatro elementos –arena, cal, cemento y agua–, es capaz de realizar los más magníficos sueños arquitectónicos de la humanidad.
En el lenguaje de los elementos, el barro (tierra + agua), como elemento primigenio utilizado por la cultura, simboliza la materia (prima mater) maleable y la posibilidad de construir, desde las tablillas de arcilla, los primeros trazos del lenguaje, objetos rituales, escultóricos, vajillas y el ladrillo, como uno de los primeros elementos constructivos fabricados por el hombre que resiste el tiempo, mediante la cocción por el fuego, elemento que simboliza, entre otros cosas, la capacidad ígnea del lenguaje, la pasión de transformación, construcción y reconstrucción de la realidad, de la cultura en su permanente batalla entre Érōs y Thánatos.
El lenguaje articula la construcción de sentido simbólico de la realidad; pero, ¿qué es la realidad? Vivimos inmersos en la misma realidad aparencial, fenoménica, pero evidentemente no tenemos la vivencia de la misma realidad. ¿Compar¬timos la realidad como lo imaginamos? La dimensión de lo real está establecida en cierto modo desde nuestra propia yoidad, nuestra interpretación de la re¬alidad: externa –dada por los sentidos–, e interna (invisible) –dada por nuestra comprensión (equilibrio entre el ser y el saber) del Mundo.
La palabra realidad, frecuentemente falseada, es utilizada para designar un sistema de interpretación, algo solidificado, objetivo, un statu quo difícil de modificar. Pero es necesario profundizar nuestro camino interior, indagar en nuestra identidad más profunda, para vivenciar otro estado de Realidad, que nos abre a una experiencia de sentimiento oceánico de no separación (amor est mors y retorno al Océano de luz) que implica el Amor real. Es necesario transitar varios desvíos y deconstrucciones de lo que nos enseñaron (o disciplinaron) a creer ser y a interpretar como noción de realidad, de comunidad o amor, para quizás aproximarnos al sentido más amplio, al sentimiento oceánico, a una realidad cada vez menos condicionada por nuestras limitaciones.
«El arte crea realidad, crea presencia.» (Roberto Juarroz). Recuperar el juego poético, o una poética del Érōs, mediante la atención plena y consciente a esa presencia, en los mínimos actos cotidianos, en los oficios, en las relaciones con el otro y el Cosmos.
«Nuestro lenguaje se articula en juegos de len¬guaje que forman parte de una actividad o de una forma de vida», de modo que «los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo y los límites de mi realidad» (Ludwig Wittgenstein). Entonces es necesario danzar, jugar libremente sobre esos límites en un permanente galumphing, con el amor como herramienta de transformación y el decrecimiento como herramienta para la construcción de un nueva sociedad, para evitar el avance inexorable de lo tanático en la cultura, con su mito de progreso permanente y explotación de recursos humanos y naturales. Posibilitar así el triunfo de Érōs entre seres humanos solidarios y comunidades ocupadas en el bien común, autosuficientes frente a los poderes de turno. Dejar de ser consumidos consumistas. Y tener como prioridad el ser en lugar del tener.
Rubén Grau, Bs. As. 2017/19
“El tesoro está en las ruinas”
El oro del instante, vive bajo pliegues de barro y hueso
a orillas del mar del olvido,
donde el Océano ilimitado acaricia la gota.
El ríe, –cuando la presencia siente al sol–
en el regazo de la amada, –ombligo de los tiempos–
Ella canta, –con su hilo plateado nos eleva–
Y por un instante vencemos la muerte
“la del amor, la única muerte”
que celebra con nosotros el arribo a la otra orilla.
Rubén Grau
Fiebre del barro - Ofelia vive
Adriana Barassi
Inauguración 29 de Junio, 19 hs
Cierre 27 de Julio
Visitas: lunes a viernes 14 a 19 hs
Sábados por cita previa a galeria@pabellon4.com
Adriana Barassi, se formó en el campo del dibujo, la pintura, la escultura y la instalación. Dentro de esta disciplina su primera obra fue Medusa instalación de gran envergadura, una estructura de metal y hierro de siete metros cuadrados con tentáculos móviles, accionados mediantes roldanas y cuerdas por los espectadores presentes. Fue presentada con el grupo Escombros durante las XI jornadas de la Critica del CAYC ,organizadas por el mítico Jorge Glusberg. Participo en diversas exposiciones nacionales e internacionales individuales y grupales. En el grupo Horos, Escombros y en Encuentro en la cumbre de dos mundo Aconcagua - Mont Blanc .
La obra de Barassi reúne en una misma morfología diversas técnicas, tanto en el espacio bidimensional como en el tridimensional, la multiplicidad de puntos de vista superpuestos sugiere una fuerte tensión ascensional o bien descansa en una horizontalidad serena, impregnada de un ornato distorsionado, espiralado aunque casi siempre dentro de un mismo canon jónico.
El aspecto multidisciplinar de su obra y las variantes figurativas y abstractas de su búsqueda se sintetizan en esta nueva exposición en Pabellon4 En la instalación Alma vegetal módulo 1, las formas se desplazan de un modo filiforme, en el módulo 2 se organiza agregando amplitud , las piezas se despegan unas de otras en un zigzag oculto generando nuevas tensiones hacia el infinito.
Fiebre del barro – Ofelia vive
Las orquídeas fantasmas deben verse en su hábitat, son difíciles de cultivar en cautiverio, adquieren las más variadas formas según el punto de vista del observador. Están presentes en la sala, como una ofrenda en las diversas imágenes de Ofelia y la Diosa. En algunas obras pictóricas, como Ofelia en éxtasis se intuye desde la danza ornamental y el fondo de sienas y tierras palpitar el color y el fuego barro.
Ofelia está en el agua flotando y canturreando, rodeada de coronas de flores entre las que se destacan las orquídeas salvajes, forma que es llevada al barro en diversas esculturas que forman instalaciones.
Estas esculturas parece que se hacen solas, observo a mis manos subir, bajar, girar y así van saliendo una tras otra. El barro me atrae hipnóticamente es como si tuviera una voz que dice en que momento detenerme, cuando la pieza esta lista. Es la magia del barro, tras el llamado urgente a trabajar con él. Es la fiebre del barro.
Un cielo discreto
Javier Bilatz
Inauguración 25 de Mayo, 19 hs
Cierre 22 de Junio
Visitas Lunes a viernes 14 a 19 hs
Javier Bilatz Ciudad de Buenos Aires, 1968.
Artista tecnológico, músico, programador, y docente. Su formación incluye el paso por Facultad de Arquitectura (UBA), becas del Espacio Fundación Telefónica, más de dos décadas en la industria gráfica y retoque fotográfico digital para publicidad; programación creativa y modelado 3D, y la Escuela del SAdeM.
Seleccionado en el Salón Nacional de Artes Visuales en 2008 y 2014. Participa desde 2005 en muestras individuales y colectivas en galerías, ferias de arte, museos y fundaciones de Argentina, y en ferias de arte internacionales en EEUU, Colombia, Chile.
Trabaja principalmente sobre procesos y código de programación, adaptando y generando formatos y técnicas a la medida de sus proyectos. Explora temas como la naturalización de la imagen tecnológica en la vida cotidiana, la incomunicación, interrogantes sobre los sujetos; partiendo de las corrientes geométricas del siglo XX y la tensión entre abstracción y figuración.
Sus obras forman parte de colecciones del país y el exterior.
Un cielo discreto
De la serie 'Partes del Vacío’: "Una escritura diseñada para carecer de sentido”.
La obra núcleo de esta muestra ("Un cielo discreto”, proyección generativa) busca poner en escena la percepción de un posible cielo estrellado, o el universo todo, de cuyos elementos o estructuras parecen emerger y disolverse textos. Hipótesis: ¿el universo es información? De ser así ¿podemos aprehender algún significado de la misma? Esta obra explora una idea/visión de un universo cuya materia prima es información. Un universo, por lo tanto, discreto.
Esta escritura, diseñada desde cero, y desvinculada de cualquier lenguaje previamente existente, propone al espectador la experiencia de situaciones u objetos en los cuales se perciba la presencia de "textos" (estáticos o animados), y en consecuencia la interrogación por el potencial sentido expresado. La base de cada obra de esta serie es un software que programé, que genera los “textos” en formatos estándares de la industria gráfica y audiovisual, a través de reglas de aleatoridad controlada, gestión de dirección de recorrido, aplicación de espacios probabilísticos, etc.
Dado la extendida premisa de que cualquier lector, cuando menos, completa el sentido de lo que lee (contraria a la idea de que cada texto tiene un sentido unívoco, independientemente de quien lo lea, bajo la sola condición de "conocer el idioma"), a través de la exposición y experiencia de estas obras busco potenciar al máximo la situación de "sentido proyectado" de las personas, dado que por diseño (y si se quiere, por tenacidad), esta escritura carece completamente de sentido intrínseco, y cualquiera que emerja de la experiencia de enfrentarse a sus textos será, a los efectos prácticos, creación del espectador.
Acontecer en huelga
Alejandro Thornton
Inauguración 6 de marzo de 2019, 19 hs
Cierre 6 de mayo
Visitas Lunes a viernes 14 a 19 hs
Esto es la historia de un crimen, del asesinato de la realidad. Y del exterminio de una ilusión… Lo real no desaparece en la ilusión, es la ilusión la que desaparece en la realidad integral.
“El crimen perfecto”. J.Baudrillard.
“Escúchame Truman, no hay más verdad allá afuera que en el mundo que creé para ti. Has visto mentiras y también engaños, pero en mi mundo no tienes nada que temer.”
The Truman Show
No hay una realidad, sólo interpretaciones, declaró Nietzsche. Preveía quizás el concepto predominante en la actualidad de posverdad, un universo donde los hechos perdieron toda
importancia y capacidad demostrativa, para dar lugar a verdades alternativas.
La realidad es amorfa e interpretable, nos permite justificar aquello que previamente buscábamos justificar acomodando los discursos del modo más conveniente. Cada uno puede aportar su versión, pero son determinadas ideas las que direccionalmente se establecen como verdaderas. La opinión pública pierde interés por la búsqueda de la verdad, prefiere las informaciones que confirmen sus certidumbres previas. Todos saben que no son ciertas, pero necesitan y quieren creerlas.
Alejandro Thornton remite en esta serie de obras a las nuevas formas de hacer política, en las que la verdad ya no es necesaria, no es relevante, no es pertinente. Los hechos objetivos cuentan menos que la apelación a los sentimientos o a las creencias personales. Alcanza con elementos decorativos, espejitos de colores, discursos emotivos, relatos vacíos de significado para ganar elecciones o crear contenido en los medios.
Pero tampoco se trata aquí de la mentira. Lo opuesto a decir la verdad no es mentir, ya que el que miente lo hace porque conoce la verdad pero prefiere ocultarla o deformarla con algún fin. Lo opuesto es entonces la falsedad, ya que se trata de una cuestión de intención y de manipulación.
Son los hechos los que cansados de ser obliterados y distorsionados hacen huelga, los que exigen ser tenidos en cuenta y recuperar su protagonismo. Pero su manifestación es ingenua, absorbida, instrumentalizada. El poder se las ingenia para digerirlo todo, inclusive lo que parece atentar contra sus fundamentos más profundos.
Para Foucault la verdad se produce; no refleja la realidad, sino que la construye, la crea. En algún punto de la historia, alguien le da origen para luego difundirla e imponerla como válida, modelando nuestra manera de pensar y edificando las estructuras con las que percibimos.
Si en la época de la posverdad sólo tenemos construcciones y posibles interpretaciones, por lo tanto la deconstrucción se vuelve elemental, para evidenciar a aquello que se esconde detrás de los hechos, que los presenta como si fueran innegables ocultando los métodos de normalización entretejidos bajo la superficie.
Thornton deja al descubierto las estrategias mediante las cuales se generan modelos de realidad sin cimientos ni base efectiva. Así, nos convencen de minimizar la relevancia de instancias claves en la vida del ser humano como la cultura o la educación, dando lugar a la afirmación de que debemos proporcionárnoslas nosotros mismos y de que, en definitiva, tampoco serían tan indispensables.
El mundo occidental entró en la época de la simulación total que abarca todos los campos: el tecnológico, el artístico, el científico y el político. El oficio del político es ahora seducir, abolir la realidad para sustituirla por el artificio. Como sugería Baudrillard, somos testigos de una suplantación de lo real por los signos de lo real: todo puede ser simulado, reducido a los signos que dan cuenta de su existencia.
Nuestra defensa ante esta situación es intentar escapar del simulacro. Recuperar, a través del arte, lo imperfecto en los vestigios de lo real.
Por Evelyn Sol Marquez 2019
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Sol Del Rio
Inauguración 2 de Marzo de 2019, 19 hs
Cierre 2 de Abril
Visitas lunes a viernes 14 a 19 hs
Unir a través de una ruptura generadora de movimiento en constante transformación
.
Imágen cinética y síntesis. A partir del plano digital la artista crea una serie de escenas traducidas al collage, luego al dibujo. El volumen de las piezas que componen las obras y el blanco y negro proponen trabajar en la tercera dimensión. El mundo virtual intangible aun, pasa al universo físico primero manifestándose en la pintura sobre papel y lienzo para ser tangible en objetos de madera. Encastres, ritmo y superposición traducidos de nuevo a una pieza audiovisual que mezcla la instalación de muro, el movimiento del cuerpo, glitch digital y sonido industrial.
Desconcierto. Elementos para un cambio
Instalación sonora
Jimena Fuertes
Inaugura sábado 21 de Octubre a las 19 hs
Cierre 28 de Noviembre
Visitas Lunes a viernes 14 a 19 hs
Jimena Fuertes presenta una ambientación de cámara en la galería Pabellón 4. Tal como lo anuncia el título, este conjunto de obras marca un giro notable en su desarrollo.
La artista trabajó durante un extenso período de su trayectoria en una línea de abstracción geométrica sobre el plano en donde la comunicabilidad contundente de la imagen era un propósito evidente. La precisión de las formas a través de líneas rectas, bandas paralelas, triángulos, octógonos, figuras plenas, y colores en saturación, fueron componentes esenciales de su lenguaje pictórico.
De manera paulatina las formas comenzaron a despegarse del fondo y a vincularse con el espacio real. La geometría cambió su modalidad de presencia en la obra, la autonomía convirtió a cada figura en objeto. Así, tuvo lugar una toma de distancia con el muro. Las figuras horadaron su centro, se volvieron caladas y sus bordes lineales, aún con la pared como soporte. Sin embargo, se volvió evidente que existía en la artista un proceso interno que le indicaba la investigación de variantes. Y, la clave apareció en ella como una nueva conciencia del espacio.
Desde el surgimiento del arte abstracto a principios de siglo XX en Europa, y más específicamente en el cubismo, se consideró el estudio de la forma inseparable de la creación del espacio que engendra. Aquellos antecedentes fueron el inicio de una tendencia histórica que ha conducido a los artistas a infinitas investigaciones ante el desafío de vincular el espacio dentro del plano pictórico, como en el cubismo, o fuera de él. El arte moderno y el contemporáneo crearon innumerables variantes y propuestas respecto del espacio.
Para esta exposición Jimena Fuertes aceleró el tránsito de su obra hacia el espacio y casi prescindió del muro como soporte, salvo un círculo rojo y blanco que simula flotar en el aire. Así como también, una pared lateral que sostiene una instalación de delgadas varillas curvas, dos de las cuales se engarzan con un círculo y un rombo huecos.
El núcleo mayor integrado por nueve piezas que se hallan ubicadas de manera estratégica sobre el piso de la sala, es decir el pleno espacio, sugieren al visitante varios recorridos visuales o físicos para ser llevados a cabo.
Todo el conjunto responde, como novedad, al arquetipo de la línea curva, lo cual marca un cambio vital en el desarrollo de Jimena. Diseñadas con espíritu lúdico por medio de líneas o lazos curvos, las obras crean dibujos exentos y algunos, en delicado equilibrio en el espacio, salvo sutiles apoyos sobre el piso.
Es posible imaginar a la artista creando estas obras con similar actitud que el hipotético paseo que realizará, de manera virtual, cada visitante que recorra esta instalación. Curvas como lazos que buscan mantenerse y permanecer en sutil apoyo, al igual que formas circulares en situación semejante. La gama de colores utilizada posee vitalidad y suavidad: azul, rojo, blanco, a los cuales se agregó el gris.
Finalmente, un detalle que se relaciona con esta geometría blanda y lúdica lo constituyen dos bases planas que sirven como soporte a dos grupos de obras, cuyo diseño abstracto sobre el piso podría responder a la sutil silueta de una nube.
Finalmente, es central citar aquí y ahora la afinidad de Jimena Fuertes con cierto tipo de música electrónica, en especial creada por mujeres, como la compositora francesa Eliane Radigue (París, 1932). Las creaciones infinitesimales de esta música de vanguardia acompañaron a Jimena en la génesis de este conjunto de obras de manera inspiradora.
La artista refiere su afinidad con las composiciones realizadas por compositoras:
“… en las mujeres encontré una intuición en el sonido que lleva a quien la escucha a sentir las vibraciones en el cuerpo, ese cuerpo presente con la mente expandida.” Sus palabras son fieles al espíritu adecuado para visitar esta exposición.
Mercedes Casanegra
Fragmentos Urbanos
Dolores Casares
Inaugura sábado 18 de Agosto a las 19 hs
Cierre 21 de Septiembre
Visitas Lunes a viernes 14 a 19 hs
Esta muestra forma parte de Art Basel Cities y el Gallery Weekend, iniciativa de MERIDIANO y la fundación Arte BA que cuenta con el apoyo del Gobierno de la Ciudad de Buenos y tendrá lugar del 7 al 9 de Septiembre en la ciudad de Buenos Aires.
Dolores Casares trabaja sus obras e instalaciones poniendo en diálogo distintos lenguajes visuales, pensando en el espacio y el volumen, estableciendo juegos ópticos y cinéticos, apelando a la trama propia del textil y evocando una estética abstracta cuasi minimalista en la resolución simple y elegante de las obras así como en los materiales utilizados.
La línea tiene una fuerte presencia en cualquiera de sus formas: dibujada en el acrílico, trazada por los hilos de nylon en el espacio o sobre el papel. Utiliza la luz como recurso para jerarquizar la obra, siendo totalmente inherente a ella, haciéndola emerger del aparente vacío.
“Homenaje a Tanizaki” una de las principales obras de la exposición “Fragmentos urbanos”, da como resultado la sumatoria de búsquedas que Dolores ha realizado en los últimos años. Por un lado están las piezas de acrílico mínimamente intervenidas como en sus primeros trabajos, otras de mayor complejidad, tanto con agujas de acupuntura como con tanzas, ubicadas dentro de una estructura de metal, con las cuatro caras cubiertas de papel esmerilado que no permiten ver su interior, lo que a primera vista resulta un gran cubo de papel, al encender las luces de LED que se encuentran en el interior, el sistema de movimiento continuo y aleatorio va dibujando distintas sombras sobre las paredes de la obra, escenas que remiten a ciudades fantasmales, silenciosas, de las que el observador apenas puede retener su contorno por unos instantes, mientras crecen y decrecen con la fugacidad de la luz.
Normas protocolares en el tratamiento a la bandera
Andres Denegri
Inauguración sábado 7 de julio 19 hs
Cierre 31 de julio
Visitas lunes a sábado 14 a 19 hs
“¿Qué sucedería si el boom de la memoria fuera inevitablemente acompañado
por un boom del olvido? Además, ya nos ha enseñado Freud que la memoria
y el olvido están indisolublemente ligados uno a otro, que la memoria
no es sino otra forma del olvido y que el olvido es una forma de memoria oculta. “
Andreas Huyssen
Andrés Denegri trabaja manipulando dispositivos y poniéndolos en relación. Hablamos aquí de dispositivos en el más amplio sentido del término. No nos anclaremos sólo en los aparatos cuya presencia y funcionamiento hacen las obras posibles. Remontémonos en cambio a la definición que construye Giorgio Agamben cuando descubre en el origen del término “dispositivo” una traducción latina a la palabra griega para “economía”: un conjunto de praxis, saberes e instituciones que tienen como fin gestionar, controlar y orientar los comportamientos y los pensamientos de los hombres.
Los dispositivos siempre tienen una función estratégica e implican inevitablemente una relación de poder que, como señalaba Hegel, es impuesta a través de una coerción, aunque a la vez los individuos los incorporan en un sistema de creencias y sentimientos. Pocos resultan tan eficaces como el emblema nacional: la bandera, nuestro máximo signo de pertenencia. Los dispositivos generan procesos de subjetivación que le son inherentes. Producen un sujeto acorde. Es la bandera argentina la que nos constituye, en nuestra adhesión para con ella, en argentinos.
En la América de fines del siglo XIX y ante la oleada inmigratoria, la gran preocupación política fue la asimilación. El sistema educativo configuró su estrategia para la socialización, sosteniendo en parte el culto a los símbolos patrios. Qué elemento con más poder simbólico y ritual que esta insignia, bajo cuyos colores se inscriben una serie de valores o normas de comportamiento asociadas. Nada menos que la personificación de una nación. Pronto se convirtió en un mecanismo que tenía como objetivo asegurar la cohesión, aportando un sentido de identidad hacia la comunidad receptora. Inculcando los mismos valores a cada ciudadano, ahora miembros de un Estado.
Paradójicamente fue un francés radicado en la Argentina quien decidió tomar este elemento para una supuesta primera filmación en nuestro territorio, Eugène Py. Quizás envalentonado por los antecedentes de su país, el cual fue uno de los primeros en diseñar su propio estandarte tricolor, importó un equipo cinematográfico y se dispuso a registrar la bandera.
Sin embargo, Denegri en su instalación deshace este símbolo ante nuestra presencia. Su destrucción es tan inminente como inevitable; todos nuestros sentidos nos alertan de la situación ¿Se destruirán también junto con ella sus significados asociados?
Todas las imágenes se degradan y se consumen. Pero siempre necesitamos recordarlas, conservar los vestigios por más escasos que sean. Denegri registra también su desaparición, desarrollando para ellas estrategias de supervivencia, ya que la memoria se nos muestra siempre transitoria, poco confiable. Recoge y atesora los desechos; congela los restos de los fotogramas en fotografías que permitirán la reconstrucción cuando todo se consuma bajo el poder del fuego.
Para Baudrillard, la museización era el intento de la cultura contemporánea de preservar, controlar, dominar lo real para esconder el hecho de que lo real agoniza debido a la extensión de la simulación. La destrucción de nuestro símbolo patrio es a la vez la garantía simbólica de nuestra identidad y la posibilidad de salir de esa identidad.
En la contemporaneidad la meta parece ser el recuerdo total, garantizada por la tecnología. La memoria se volvió una preocupación central. Aun sí ese recuerdo debe ser falseado. ¿No fue acaso el pasado mítico de esta primera filmación reelaborado por el artista?
Estos discursos de la memoria se corporizan en reliquias que rodean a la máquina incendiaria, residuos conservados y amplificados que en cuanto sinécdoque, disgustan y seducen. Mientras tanto, cuando la creíamos perdida, la filmación se regenera y vuelve a comenzar. La reliquia deja de ser signo de muerte para convertirse en un indicio. ¿Será el miedo al olvido el que impulsa nuestro deseo de recordar, o será quizás al revés?
Curaduría: Evelyn Marquez
El LUGAR DEL OTRO
Paula Otegui
Inauguración sábado 19 de Mayo 19 hs
Cierre 31 de Junio
Lunes a viernes 14 a 19 hs
Luego de su última muestra en Pabellón 4 (Ensayo general en el año 2016), Paula Otegui regresa a Pabellón 4, poderosa e innovativa con su nueva exposición “El lugar del otro”, Otegui se avoca a profundizar el concepto del espacio en sus nuevas obras. Desde esta perspectiva, además de presentar pinturas de gran tamaño que siguen la línea de sus trabajos anteriores, desafía su propia propuesta artística presentando una instalación con objetos ecultoricos. Así, a sus pinturas suma ahora trabajos donde reconsidera la tercera dimensión.
Con la voz muy nítida se escucha la voz del otro que resuena, dándole vida al miedo.
El testimonio del otro sobre su experiencia es un ruido metálico agudo, donde la realidad se emancipa.
En otro lugar hay gente que se mueve muy rápido, en otro tiempo, en otra dimensión diferente a la mía, te podés cruzar con ellos pero no los ves. En los sueños atravieso esa dimensión y estoy conectada con las voces, no es la muerte! Eso es otro lugar.
Esta muestra encarna el relato de los espacios propios, los lugares atemporales, el estar en el lugar opuesto, del lugar que ocupa mi cuerpo y el cuerpo del otro. El lugar del que queda excluido, y el del que toma la palabra. El lugar que más quiero. El territorio cedido y el espacio de batalla.
Paua Otegui Abril de 2018
MALAS ELECCIONES HABITACIONALES
Amanda García - Jorge Opazo - Marcela Oliva
Inauguración sábado 10 de Marzo 19 hs
Cierre 14 de Abril
Qué queremos tapar con tanta carpeta y alfombra y cortina sobre cortina y manteles y cubre cubiertas. Telas sobre telas. Tapamos hongos, malos terminados, nuestra pobreza. Tapamos la pobreza con pobreza. Hemos fracasado. Que no se note. Elegimos mal y queremos pretender que no. Parches. Los parches empiezan a ensuciarse, son tantos que la vejez y el cansancio nos ganan, no hay más energía ni recursos para lavar, remediar. Las telas no tapan el ruido de los colectivos en nuestras ventanas, las plantas de plástico se empolvan. Qué incomodidad. Nuestras elecciones malas nos reflejan: somos la maldad. Hemos fracasado.
No hay luz que nos mejore, estamos incómodos, qué incómoda es la vida. Por qué no podemos estar cómodos en nuestro mundo. Transformamos nuestros paisajes en algo que se asemeja al original, pero no… Superficies lisas, a veces rectas, a veces cajas, que las creemos más adecuadas, pero al verlas nos incomodan. No son precisas. Es que son un monstruo destilado, geometrizado, limpieza de la forma. Otra vez nuestro intento por limpiar, quitar las arrugas que revelan nuestra edad. Alteramos, mentimos.
Somos una mezcla entre nuestra forma original, real y su recuerdo, más lo que imaginamos que somos. No entendemos si somos orgánicos, o si nos perdimos en nuestra propia construcción. No somos de aquí, al menos eso creemos, es como si viniéramos de otro planeta, como si este no nos gustara. Nos sentimos incómodos, inadaptados, nos sentimos fracasados, pero no nos vamos, aunque hayamos elegido tan mal.
Amanda García
Marzo 2018
Visitas hasta el 14 de Abril
Lunes a Viernes 14 a 19 hs.
“CONTROL”
Diego Roa
inauguración Sábado 18 de Noviembre 19 hs
Cierre 30 de diciembre
Curadora: Lucila Portabales
Intentar explicarlo es imposible. Va más allá de los códigos y de las interpretaciones. Ya fueron el cómo, el cuándo y el por qué. Es impensable no sólo para los espectadores: también para los protagonistas.
Se trata de un cambio leve y espontáneo en la rutina, que excede cualquier tipo de pronóstico o expectativa con base en la lógica conocida hasta hoy. Abandona por completo los supuestos y los planes. Es un suceso random, una anomalía en el patrón, un glitch en la matrix. Un evento fortuito que reestructura el modelo individual de realidad, de mundo.
Es enérgico y sutil, con una capacidad excepcional de transformación que es reveladora. Tiene toda la potencia disruptiva inherente a un estímulo experimental. Es un hecho vulnerable, sistemático, involuntario e inconsciente. Un capricho sensorial y autónomo que expande el registro, genera un nuevo conocimiento, abre un cambio en la percepción.
“El fuego invisible”
Acerca de los trabajos recientes de Diego Roa.
EFG Bank y ArtNexus tienen el gusto de invitarle al brunch con motivo de la nominación del premio EFG LatinAmerica Art Awarden ARTBO.
Tenemos el agrado de informarles la participación de Pabellón 4 Arte Contemporáneo con los artistas: Paula Rivas, Christian Wloch y Mariana Villafañe en la exposición "Hágase la luz" a beneficio de la Fundación ArtNexus, curada por Francine Birbragher-Rozencwaig y Celia Birbragher.
Esta muestra explora aproximaciones sobre el tema de la luz tanto a nivel representativo como a nivel técnico en propuestas realizadas por artistas contemporáneos latinoamericanos.
Una segunda versión será presentada en Miami e inaugurada el domingo 3 de diciembre durante la semana de ArtBasel Miami Beach.
HAGASE LA LUZ ARTISTAS PARTICIPANTES
Adriana Duque , Adriana Marmorek , Adriana Salazar , Alfredo Jaar , Álvaro Barrios , Ana Adarve , Ariel Orozco , Augusto Ballardo , Benjamín Ossa , Camilo Matiz, Christian Wloch , Felipe Seixas , Glenda León , Gonzalo Fuenmayor , Graciela Sacco , Horacio Zabala , Ícaro Zorbar , Iván Navarro , Jessica Mitrani , José Antonio Hernández-Díez , Juan Mejía , Karina Peisajovich , Lina Espinosa , Leo Castañeda , Manuel Calderón , Mariana Villafañe , Monika Bravo , Nicolás Robbio , Pablo Posada , Paula Rivas , Regina Silveira , Rubén Volovitz , Simón Uribe , Teresa Serrano ,Voluspa Jarpa .
CATALOGO ONELINE
Fecha: 28 de octubre - 11:30 a 2:30 pm.
Cierre 24 de Noviembre
Estudios Las Nieves, carrera 8 No. 20-17, segundo piso
AbstractA
Alejandro Thornton
Inauguración sábado 2 de Septiembre 19 hs
Cierre 5 de Noviembre
Curador: Javier Pelacoff
AbstractA (o, de la A-parecida)
Anestesiado por la saturación cotidiana de estímulos, nuestro sentido común desdeña lo que nuestra reflexión tiende a celebrar. Ganado por la explotación emocional del "freak show" mediático, asimila la figura del artista al repertorio de personajes compelidos a hacer de sí mismos, y le confiere así una dosis de sobrevida a esas versiones más degradadas de la visión romántica de la cual, mal que nos pese, seguimos siendo deudos cuando participamos de los lugares comunes acerca de la exaltación de la expresión de una supuesta interioridad y demás versiones de la "jerga de la autenticidad". En contraposición, la reivindicación del programa de investigaciones que pone énfasis en las operaciones y los procesos -sean ellos más o menos formalistas, o reivindiquen planteos más o menos "conceptualistas"- nos obliga a confrontar con la violencia simbólica que ejerce el "discurso importante", un discurso de saber sobre aquello que es independiente de toda experiencia particular pero que, sin embargo, opera sobre cada una de estas experiencias. Así es como el ritual para los ya iniciados, la ampulosidad y el hermetismo pueden ejercer un influjo comparable al del encantador de serpientes. Pero más allá de las eventuales imposturas asociadas con una u otra orientación, la contraposición a las figuras de la espectacularización y el sentido común subrayan los aspectos constrictivos, rutinarios y convencionales con los cuales se organiza tanto el trabajo artístico como la vida social en general. Precisamente, el término disciplina ha tenido el poder de sintetizar todos sus aspectos e implicaciones: la delimitación de campos de saber y aplicación, la distinción de los soportes materiales y la adecuación de los usos del cuerpo a las funciones sociales. De ahí que en el discurso post-disciplinario que caracteriza a la condición contemporánea pueda convivir cierta "persistencia de la expresión" con una creciente "primacía del concepto".
En este marco, las obras que conforman AbstractA participan de la historia de operaciones y reducciones que interrogan el estatuto de la convención, la arbitrariedad y la necesidad en los procesos de producción de sentido. En ellas, Alejandro Thornton prolonga y radicaliza aquella línea de investigación que había iniciado con una serie de variaciones sobre el trazo y el grafismo, en la cual divorciaba la práctica escritural de la naturaleza del signo lingüístico y su referencia semántica. Esta disociación, extrapolada ahora al terreno del diseño y las artes gráficas, lleva a Alejandro a prescindir de -por no decir "hacer abstracción"- toda variación y juego cromático, y concentrarse en las posibilidades que ofrece el uso de la tipografía como módulo para establecer un patrón formal. En este camino, la condición sígnica del tipo deja de remitir al sistema lingüístico -de ahí que estas obras no se inscriban en el campo de la poesía visual- para perder así su condición "simbólica" (la universalidad de su sentido como resultado de la regularidad de la convención social) y quedar reducida a su iconicidad. Del mismo modo, la reiteración del patrón-tipo-módulo conectan a AbstractA con la indagación sobre la serialización, tanto en lo que hace a los procesos de producción como a los productos, en una línea que va desde el grabado hasta las obras-múltiplo. El resultado de estas operaciones acercan a Alejandro Thornton a las disquisiciones que han caracterizado al pensamiento de la diferencia: ¿Cómo es posible distinguir "lo otro" de "lo mismo"? Hasta qué punto no hay más "novedad" que aquella ya contenida en las posibilidades de un orden combinatorio? Y en un sentido opuesto: ¿De qué modo la eventual irrupción de lo radicalmente distinto puede ubicarse una vez extendido ad libutum el ejercicio infinito de la reiteración? En este sentido, diferir -más que postergar o disentir- puede más bien entenderse como un actualizar -es decir, poner "en acto" y poner "en presente"- una posible no-identidad de aquello que se pretende idéntico.
Entropía de un sueño imperfecto
Lucila Poisson
Inauguración sábado 12 de Agosto 19 hs
Curadora: Evelyn Marquez
En la formulación de la ley de causalidad ‘Si conocemos el presente precisamente podemos predecir el futuro’, lo que es falso no es la conclusión, sino la premisa. No podemos conocer el presente con detalle, ni siquiera en principio.”
Werner Heisenberg.
I - Principio de Incertidumbre
La mecánica cuántica demostró gracias a Heisenberg que podemos medir con e cacia la posición en que se encuentra una partícula.
Sin embargo, al hacerlo, desconoceríamos en ese caso la velocidad en la que viaja, su frecuencia, hacia dónde se dirige. Si, en cambio, elegimos saber adónde va y su velocidad, la incertidumbre se vuelve cada vez más alta en lo que a la posición se re ere y dejamos de tener información precisa de dónde se encuentra la partícula en ese instante.
Hay que elegir, entonces, entre el momento o la posición.
La precisión se ve afectada. Es imposible conocer ambos aspectos de forma simultánea. El impedimento no son los instrumentos humanos, sino que se trata sencillamente de una restricción que impone la misma naturaleza.
II - Entropía
Los sistemas siempre tienden al caos y al desorden creciente. La energía se dispersa y la magnitud que mide el desorden y la incertidumbre se denomina entropía.
La entropía del universo no deja de aumentar; si la reducimos en un lugar en búsqueda del equilibrio, indefectiblemente se incrementará en alguna otra parte. En todo tipo de sistemas, siempre se trata de reducir la entropía para maximizar la e ciencia y el rendimiento. Si la entropía es nula, la certeza es absoluta, algo que sólo ocurre en procesos ideales o imposibles.
La paradoja es que sin desequilibrio, no hay trabajo ni energía; ya nada podría hacerse y el universo se inmovilizaría hasta congelarse y morir.
III - El sueño
Los sueños se originan debido a la ruptura del equilibrio bioquímico que se produce al dormir. La conciencia y los demás factores característicos de la vigilia desaparecen y las leyes del cerebro cambian como consecuencia de la química. Las sustancias que nos ayudan a organizar los pensamientos cuando estamos despiertos simplemente se detienen al soñar.
Disminuyen las cantidades de serotonina y norepinefrina, dos sustancias químicas relacionadas con la conciencia. El estado de ánimo y la memoria desaparecen durante el sueño, lo que genera la imposibilidad de organizar los pensamientos, no sabemos quiénes somos, nos sentimos desorientados. Aparecen la incongruencia, la ambigüedad y la discontinuidad.
Por alguna razón, el cerebro cambia su con guración y todos los elementos de la locura aparecen: surgen imágenes alucinatorias, vemos cosas que no están ahí y creemos que son verdaderas aunque no puedan serlo. Cualquier aproximación psicoanalítica no llega siquiera a horadar la super cie que permita entender por qué el cerebro genera estas alteraciones como método de reordenar las memorias, los recuerdos, como forma de actualizar sus programas.
IV - La imagen pobre*
Ciertas instancias de la tecnología y el arte se sustentan en la resolución de las imágenes que las constituyen. El cine, por ejemplo, comercializa productos de alta calidad y resolución a consumir en un ambiente particular. Paralelamente, se multiplican los derivados, las imágenes que circulan en DVDs, lmaciones hechas con el teléfono subidas a YouTube, historias en Instagram.
La imagen rica, impactante, de tonalidades exactas, brillo, calidad, versus la imagen pobre, compartida, descargada, comprimida, editada, cortada. Escapan al copyright, convierten la calidad en accesibilidad. Las imágenes llegan y nos invaden. Se superponen, se multiplican, nos exigen interacción y autoproducción. Cual bacteria cuya reproducción es irrefrenable, su circulación se acelera por sobre cualquier restricción y control, obligándonos a ser parte.
V - El arte
¿Entre cuántos conceptos, cuántas ideas, cuántos dilemas oscila la mente de un artista al momento de generar sus obras? Lucila Poisson utiliza lo vincular como un eje que atraviesa poéticas y enunciados, para manifestarse en formas que pueden resultar más o menos transitorias, pero que enhebran intereses comunes que continuarán siendo seductores en su producción.
La relación con el color es física. Plantea una tensión que aúna el espacio al cuerpo del espectador, funcionando como una especie de envoltura. Un procedimiento sensorial de articulación con el universo.
Habilitar la incertidumbre puede ser una estrategia heurística o un método de descubrimiento. Permite pasar de un enfoque de resultados (una exposición perfecta que funcione como un universo cerrado) a uno de procesos, una búsqueda nueva. Valerse del accidente y el error como instrumentos productivos, reconvertir en proceso el resultado de la duda.
Una artista decide adoptar una actitud transformadora frente a los sucesos que parecían previsibles. En cualquier producción humana contamos siempre con algo dado y con algo modi cable. Pero Lucila no se aferra a lo conocido y formula nuevas hipótesis ante la constatación de resultados extraños. Experimenta lo impredecible, lo absurdo, lo irreal, lo siniestro, lo fallido, lo escurridizo, lo incontrolado.
Curadora: Evelyn Marquez
Agosto de 2017
LA CAIDA
Pablo Sinaí
Inauguración sábado 6 de Mayo 19 hs
Curadora: Verónica Gómez
Stars don´t make movies. Movies make stars.
Darryl F. Zanuck (fundador de la 20th Century Fox)
Wall Street es una abstracción.
Fernand Léger
Todavía nos llega la luz de estrellas muertas hace millones de años. Mirar el cielo es mirar el pasado, dicen. La infancia del universo. Un remanente de fantasmas galácticos se instala titilante, con la apariencia de lo vivo. Guía incluso nuestras intenciones de desplazamientos futuros estableciendo un sistema de orientación. La luz de la estrella Deneb que hoy recibimos comenzó su viaje cuando Roma era apenas un caserío y el imperio ni siquiera una intuición. La luz del Sol, nuestro astro rey, tarda ocho minutos en llegar a la Tierra. Esta condición pretérita de la luz es tanto una cualidad científica como emotiva. La trayectoria de una vida en escala humana, mucho más módica, con iguales aspiraciones a la trascendencia universal, se corrobora en el conteo de los sucesivos cambios cíclicos de la luz; las estaciones. Así aparece el modo coloquial de expresar la edad con el relato de las primaveras vividas. Cada estado de la luz se presenta entonces como reiteración del pasado o, en términos del mito, como reactualización. La luz otoñal y su modo de perfilarse en tintas ocres y doradas, es siempre la misma y siempre otra. La sensación de déjà vu es intensa. Un otoño trae consigo los recuerdos de otoños ya vividos. Y si la primavera huele a renovación, en ese tránsito hay un pasado que se desoculta y es empujado hacia atrás; los estertores de la partida tiñen de melancolía todo comienzo. A veces, los pasajes son convulsivos, violentos. Vencedores y vencidos: la caída de un imperio deja a la vista la singularidad de las células fagocitadas. A menudo contradictorias, no unidas sino unificadas por un poder centralizado, totalitario, esas células se empeñan en la supervivencia, así sea en su versión de ruinas. Pactan, elucubran alianzas, se disfrazan, o se dejan morir lentamente. Las estrategias son disímiles, la necesidad es la misma: el pasado no es un lastre, sino una plataforma útil para proyectarse al futuro. La arquitectura, en sus manifestaciones más emblemáticas (monumentos, plazas, edificios públicos) es la encargada de llevar la bandera. En las pinturas de Pablo Sinaí la arquitectura es la excusa para explorar la posibilidad de un pasado que encuentra su forma de supervivencia en un tiempo paralelo, un tiempo a salvo de los avatares (algo así como las estrellas de cine que logran escapar a la muerte- y a la vejez- al habitar la pantalla de la eterna juventud). Las sombras se hacen corpóreas sin abandonar su porosidad lumínica. Pero al mismo tiempo, el material físico al que alude (hormigón, metal, arena) se torna liviano, no en el sentido atmosférico, aquel borramiento romántico de los contornos, sino a la manera de la mampostería y la escenografía. Surge la sospecha: ¿Esta estructura puede ser en verdad sólida en su liviandad? La apariencia de solidez se conserva entonces como una máscara. La decrepitud, el fracaso, son las estrellas muertas detrás de escena. La luz congelada nos devuelve a una época dorada que permanecerá inmóvil en su declive eterno. Si los futuristas ansiaban captar la luz en su velocidad, en su arremeter facetado y secuencial, Pablo Sinaí, por el contrario, en la inmovilidad tenaz y melancólica de sus pinturas, ejerce una suerte de futurismo desencantado.
Verónica Gómez
Buenos Aires,
10 de abril de 2017
Empapelados
Inauguración sábado 18 de marzo 19 hs
Curadora Paula Otegui
“Empapelados”
“Cubrimos así el universo con nuestros diseños vividos. No hace falta que sean exactos. Sólo que estén tonalizados sobre el modo de nuestro espacio interior.”
Gastón Bachelard
Sobre el vuelo sincronizado de las aves que nadie logra descifrar.
A primera vista bandadas de flores-pájaros sobrevuelan de manera constante la superficie toda, como una catarata inagotable de energía viva. No se detienen nunca, se despliegan sin límites, lo invaden todo, habitando espacios donde nada está librado al azar. Sebastián las ordena y dispone minuciosamente, en filas, sin superponerse ni tocarse y las repite rítmicamente, de una manera insistente y compleja, ya que lo importante transcurre en la diferencia, casi buscando huir de la generalidad de la clasificación. Justamente en ese proceso de repetición es que algo cambia, quizás insatisfecho, es que intenta plantear la singularidad en el simulacro, exigiendo al espectador argüir su estrategia de subvertir las imágenes. Sebastián quiere ubicarnos, en ese lugar simbólico de desvío o incorrección, para problematizar, en primer lugar, apartando a la pintura del lugar suntuoso, con un claro anclaje e intencionalidad en el mundo real y cotidiano, pero a su vez haciendo foco en el sentido ornamental de las obras, porque es ahí donde ubica la diferencia con el patrón de origen. En algunos casos creando juegos ópticos de perspectiva y volumen, y en otros edificando las paredes de espacios íntimos, ficcionales o literarios. Sebastián construye una casa, la decora y ornamenta, la reinventa y evoca, recrea un paraíso artificial, donde se llega a percibir el aroma de una habitación vacía, un mundo inmenso plagado de flores-pájaros que se extienden hacia el infinito.
Paula Otegui. marzo 2017
"Linde"
Inauguración 18 de Febrero de 2017 - 19 hs
La formulación de una hipótesis es una etapa indispensable en la metodología científica; este es el sentido en el que deben leerse las obras que se agrupan en Linde: más como preguntas que como respuestas, más como indagaciones que se despliegan y fluyen reflejando una búsqueda conjetural que como encuentros certeros, donde lo que separa los componentes no es tanto la diferencia formal, como una relación asintótica entre lo artístico y lo científico.
Tomás Figueroa se propone indagar sobre la hipótesis que sustenta la obra con la premisa de lo que se desarrolla es un dialogo en el margen entre las formas y procesos del arte y la ciencia.
“8 – 16 “
Camilo Bojaca ( Colombia Bogotá)
Dibujo – objeto - video
Inaugura 8 de Octubre 19 hs.
Esta muestra de Camilo Bojaca, reflexiona a cerca de la explotación y depredación del hombre sobre la tierra, para sostener su estilo de vida.
El 8 de agosto del presente año en el planeta se habían consumido los recursos naturales que necesitamos los humanos en un año, según estimo la footprint network. A esto se le denomina sobregiro ecológico , es un punto critico en el que los ecosistemas son incapaces de renovarse para solventar las necesidades desmedidas de nuestra sociedad, es decir estamos en deuda con el planeta, habría entonces que pensar una manera más reciproca y coherente de habitar en el.
El agotamiento de muchos recursos vitales para nuestra especie a consecuencia de su dilapidación o de su destrucción, fruto de comportamientos consciente o inconscientemente depredadores orientados por la búsqueda de beneficios particulares a corto plazo constituye uno de los más preocupantes problemas de la actual situación de emergencia planetaria. Conviene comenzar reflexionado acerca del significado de “recurso”, definido en los diccionarios como "bien" o "medio de subsistencia", por lo que tan recurso natural puede considerarse un yacimiento mineral explotable o una bolsa de petróleo, como un bosque, o el aire respirable.
Por otra parte, la idea de recurso lleva asociada la de limitación, la de algo que es valioso para satisfacer necesidades pero que no está al alcance de todos. Por eso, el agotamiento de los recursos es uno de los problemas que más preocupa socialmente.
Naturalmente resulta difícil predecir con precisión cuánto tiempo podremos seguir disponiendo de petróleo, carbón o gas natural. La respuesta depende de las reservas estimadas y del ritmo de consumo mundial. Y ambas cosas están sujetas a variaciones: se siguen realizando prospecciones en busca de nuevos yacimientos e incluso se está volviendo a extraer petróleo de yacimientos que hace tiempo fueron abandonados como no rentables. Pero las tendencias son cada vez más claras y ni los más optimistas pueden ignorar que se trata de recursos fósiles no renovables, cuya extracción resulta cada vez más costosa, lo que se traduce en un encarecimiento progresivo del petróleo, que se ha disparado de forma alarmante tras la invasión de Irak.
"KUNSTKAMERA"
“O un oasis de horror en un desierto de aburrimiento”
Manuel Archain - Nicolas Miranda
Sábado 13 agosto 19 hs
ANIMALIA
La familia I - II - II - Hombre con camisa celeste BAilando - Mujer de blanco BAilando.
ARIFICIALIA
1 - Autor: Carlos Henrique Raposo.
Título: “Retrato de Juste van Ostrack diante de seus seis filhos”.
Año:1976
Dueños anteriores: Antigua colección del duque de Marlborough, comprado por el comerciante Treven Stewart para Rrose Selavy.
2 - Autor:Heinrich Kurz.
Título: “Die schonheit affenarme zu haben”
Año:1920
Dueños anteriores: Colección privada Herman Raffke. Donado posteriormente a la fundación Oulipo.
3 - Autor: R. Mutt
Título: “Bronco McGinnis, le réveil du dimanche”
Año: 1914
Dueños anteriores: Adquirido por el Barnum´s American Museum, posteriormente traspasado a la Colección Klemm.
Tal vez la manera de abordar este breve texto sobre la muestra es una pregunta planteada de distintas maneras: ¿qué convoca a dos artistas en términos curatoriales? Es decir, ¿dónde está el cruce? ¿Hay alguna posibilidad de dialogo entre los trabajos? Probablemente tales interrogantes se pueden responder desde un concepto: la ficción con sus posibles sinónimos y reinterpretaciones, y es ahí donde la noción de Kunstkamera cobra importancia y se instala como una herramienta más en lo que podría ser una operación conjunta.
El título que reúne la muestra de Manuel Archain y Nicolás Miranda da la impresión que no remite al antecesor de los museos y las galerías en términos históricos; más bien se aprovecha y manipula el gesto, o sea, el carácter espectacular, novedoso y ex-traño de las Kunstkamera. En ese sentido, el término en castellano (cuarto o gabinete de maravillas, aficionados) se inscribe como motor de las operaciones de ambos artis-tas. Lo maravilloso, espectacular, novedad al instante, de manera inmediata, pagable en efectivo o crédito es la promesa de entretención contemporánea a la que estamos acostumbrados. Tal promesa en el terreno de las artes visuales es la de la experiencia espectacular de consumo cultural.
En el caso de Archaín podemos argumentar que su eje se encuentra en la inserción –paradójicamente clara- de lo ambiguo, el trabajo estético que ejecuta sobre y desde las imágenes son evidentemente imposibilidades. Es probable que buscar la imposibilidad de manera racional se aproxime a la noción de libertad que argumenta Cesar Aira al intentar definir el arte contemporáneo En algún momento se ha leído que el trabajo del porteño (¿?) tiene algo de surrealista, pues va a ser que no, las vanguardias artísticas del siglo xx se originan por contextos político económicos específicos, responden a ellos, no siendo los mismos que vivimos hoy por hoy. En ese sentido el trabajo de Archain es más cercano a los códigos publicitarios y estrategias de consumo, he ahí su máximo plus: el carácter cínico de un buen engaño.
Da la idea de que en ambas propuestas lo que tenemos es una aproximación al texto Tentativa de agotamiento de un lugar parisino de Georges Perec, en la medida de que la cantidad de piezas y movilidad de signos son sólo una posibilidad entre muchas otras; las diez imágenes de Archain o las nueve piezas escultóricas de Miranda podrían haber sido resumidas en una o, por el contrario, haber extendido la cantidad sin ver afectado el resultado operativo. La razón de dicha situación es producto de que el objetivo no es tanto el pragmatismo comercial como si una especie de juego lingüístico propio del grupo literario francés Oulipo.
La utilización del pedestal como cliché escultórico por parte del artista argentino no es menor, más aun si sobre ellos se instalan las imágenes de personas en situaciones cotidianas: una chica poniéndose (o sacándose) el corpiño, un hombre desnudo, grande, tapándose, otro que se rasca la espalda entre el placer y la dificultad o el joven de pie, sólo en calzoncillos que se mira el miembro como dándole los buenos días, además de ser un guante arrojado para que lo recoja el escultor chileno, generan extrañeza, duda, no por lo coloquial de las imágenes sino por el status que adquieren, la subida de pelo de los diez NN.
Por su parte, la base del trabajo de Miranda, en términos generales, tiene que ver con juegos de lenguaje, asumiendo la imagen, el objeto y el arte contemporáneo como un fenómeno en sí mismo y no como un medio. De tal manera, apuesta por operaciones de reinterpretación, relecturas de lo ya dado. Es en ese nicho donde los anagramas, retruécanos y otras figuras retóricas adquieren importancia constructiva.
La manipulación de elementos opuestos, contradictorios (no incoherentes) es lo que aparentemente busca: instalar un problema, un resultado formal de doble lectura. Para su ejecución es fundamental un análisis de contexto, en ese sentido es un trabajo basado en el sitio específico pero no en cuanto metros cuadrados de una galería, si no que en cuanto dinámicas identitarias del espacio-lugar a habitar.
Para Kunstkamera, Miranda estructura su propuesta a partir de la parcelación de los gabinetes de aficionados originales, toma los tres ítems y los acomoda al contexto local y global en tanto espectáculo: Animalia, Naturalia y Artificialia. Si bien los gabi-netes de antaño fueron precursores en cuanto descubrimientos geográficos, arqueológicos, científicos a la vez que contenedores de obras de arte, también fueron el nicho del gesto que el artista rescata: la farsa. No es un detalle que algunos gabinetes tuvieran en su poder hasta incluso sangre de dragón. Es ese gesto el elemento que actualiza es lo contemporáneo y global, la venta de humo, el show.
Bajo esa lógica encontramos en uno de los tres dispositivos –Naturalia- a Charles Saatchi al medio de la muestra (aunque sea secuestrado), en otro de los módulos -Artificialia- una obra de R. Mutt junto a Carlos Enrique Raposo o al mismo Klemm. Finalizando con el modulo –Animalia- como guiño al espectáculo porteño: figuras escultóricas (en formato de tienda de anticuarios) de clichés televisivo-político argen-tino.
En los tres casos siempre hay una cita como mínimo, ya sea a los anticuarios porteños, al espectáculo televisivo, al campo de las artes visuales o al mismo Archain como con-traparte. Las citas funcionan como pistas de un puzle operativo-contextual, basado en la cultura popular de masas y bajo esos códigos lo que remata o ancla la propuesta es el valor económico de cada una de las piezas, tal valor se presenta acorde a la inflación local, una veladura de 30% de aumento.
Volviendo al principio de este texto, podemos afirmar que la ejecución de la ficción, revelando su imposibilidad, el engaño, farsa, estafa, o si se quiere; simulacro es lo que une ambas propuestas. Archain y Miranda ejecutan trabajos cosméticos, poseen un carácter cínico, donde la manipulación de los códigos estéticos es un recurso de se-ducción, no así el objetivo final. Si solo nos remitiéramos a la calidad estética de las piezas que componen Kunstkamera estaríamos en el terreno de la artesanía o más aún, serían solo excentricidad del diseño, la duda y parodia permiten movilidad a los autores evitando el trabajo cerrado o un veredicto moral, desde la ambigüedad o los anagramas instalan la visualidad en un límite de sentido, obteniendo por lo menos dos lecturas para un mismo objeto, así cobran relevancia preguntas simples como: ¿es real o no? ¿Es joda? ¿Me está bardeando? No plantean inventar algo nuevo. Por el contrario, repiten, copian, roban gestos, formas y discursos del contexto general. Es en la sucesión de lecturas coordinadas, pensadas y jerarquizadas donde se encuentra la poética de los trabajos; en otras palabras, las distintas lecturas no azarosas que nacen desde un gesto simple. De alguna manera, es una suerte de autopublicidad, un descaro consciente, propio de los trabajos que asumen la derrota o la perdida como punto de partida.
El pop y el espectáculo de masas nos dan la clave del soporte para la propuesta, es fundamental el hecho de que la visualidad encarne el fetiche de la mercancía, el mejor ejemplo es la publicidad: la imagen se produce y se consume, es abstracta en tanto encarna una promesa y concreta cuando se ejecuta el consumo. Es justamente desde ahí donde Archaín y Miranda abordan la imagen tanto bidimensional como objetual. No es una reivindicación del patrimonio perdido por la institución estética, ni un round entre un fotógrafo y un escultor (no hubiera sido mala idea), más bien un aprovechamiento y repetición gestual de las dinámicas del contexto cultural visual. En ese sentido, existe una aproximación a los objetos Chindogu, los que tienen como característica y potencia política el hecho de exagerar la funcionalidad del objeto (oriental), de tal manera que, intencionalmente se inscriben en el terreno del absurdo.
Para finalizar, ya que, parafraseando a Aira, “decirlo todo es el modo más seguro de aburrir” podemos argumentar que se trata de una puesta en abismo, tanto por el tratamiento de las imágenes como por la sucesión de pretensiones y engaños, es un traspaso del ruido generado por los objetos al silencio de la duda: el trompe l´oeil o engaño al ojo, a propósito de la manipulación a situaciones y objetos nimios, el engaño al tiempo en tanto perpetuidad de las piezas y engaño visual desde el aura, al otorgar singularidad y plus valía a lo infraordinario.
Los fantásticos imposibles
Santiago/Buenos Aires. Julio 2016.
"Campos de Marte" Marcelo Gutman - Martin Paziencia
Miércoles 29 junio 19 hs
“La organización de los efectos de la luz y sombra producen un mero enriquecimiento de la visión.”
László MOHOLY-NAGY
La década de 1910 marcó un cambio en la percepción del universo.
Los esfuerzos rusos por conquistar el espacio, junto con los descubrimientos científicos del momento, hicieron surgir una idea abstracta de la naturaleza, que se convirtió para los artistas de la vanguardia rusa en la meta final de su obra.
Más de un siglo después, Marcelo Gutman y Martín Paziencia, retoman esa preocupación creando obras que muestran la relación que existe entre el arte plástico y las matemáticas y la cosmonáutica.
Con estilos totalmente diferentes, en esta oportunidad exhiben obras que comparten como común denominador la monocromía, dónde el uso de un solo (no) color, en este caso el blanco, puede reflejar diferencias y variedades.
Porque el blanco es un abanico inmenso de posibilidades, ya que puede remitir desde un espejo que refleja el mundo a un tributo a la metafísica, incluso, un homenaje mismo al acto de pintar.
Al igual que el ícono, el monocromo es pasaje, confín, lugar donde se manifiesta una obra sublime, en la que las cosas sólo son “productos de la luz”.
En un mundo de ruido, dominado por el espectáculo de los medios de masas audiovisuales, el arte monocromo, que ha renunciado al despliegue de las gamas cromáticas y ha preferido experimentar la concentración en un mínimo elemento de color, es una experiencia solitaria, un refugio para la seriedad de la reflexión y la contemplación.
Hoy, como en aquel lejano viaje al espacio entonces desconocido, la relación entre arte y ciencia tiene vigencia cuyo objetivo es, no solo el progreso científico, sino también social y estético.
"Ensayo general Parte I" Paula Otegui
Sábado 14 de Mayo 19 hs
“En esta muestra Paula Otegui se cuestiona las formas que ha utilizado habitualmente en la expresión plástica, estableciendo nuevos vínculos espaciales entre las capas que se manifiestan en las obras y de éstas con el entorno espacial y el espectador.
Es un proyecto es de voluntad reconstructiva, que pretende transitar un lenguaje fronterizo, saliendo de la bi-dimensión, en la búsqueda de otro orden, organizando el conjunto a partir estructuras fragmentadas, compuestas por la superposición de capas visuales, suscitando la desestabilización de los planos pictóricos.
Estas obras demandan un nuevo ámbito donde interactuar, como actores en un ensayo general, planteando la imagen del mundo como un escenario que ilustre la afición a lo teatral de la condición humana.”
Paula Otegui
"Paisajes Audibles" Mariana Villafañe
Martes 10 de Mayo 19 hs
Cierre 10 de Junio
CENTRO CULTURAL RECOLETA - Sala 12
Junín 1930. Buenos Aires, Argentina.
Nube o galpón, roca o almohada, sonidos en la forma, ilusiones en la mente, la inconcebible pereza de lo natural, el previsible defecto de la curva, el atendible orgullo de la recta, la sombra implícita del color. en la perspectiva enajenada por el horizonte la fuga indefectible del infinito. barullos que habitan con molicie,, perturbando la mente al intentar acercarnos a los recursos inombrables del dibujo
Renato Rita Mayo 2017
"Cinema Arquitectura" Diodoro Mazo
Sábado 19 de Marzo de 2016, 20 hs
Las imágenes en el agua de Diodoro Mazo
Pensar las imágenes dentro un medio acuático es suavizar las imágenes hacerlas dúctiles, estirar los contenidos. Cita de Bachelard.
Al pensar los espacios de existencia en las obras de Dio nos metemos de lleno en el mundo del ensueño digital, donde hay un hecho detenido y corre por detrás una escena fílmica entre montaje y montaje , la ficción empieza en las historias comunes ,una mujer bella, las vacas en la inundación, un mago, la electricidad, reflejos, cuidades, naves espaciales y modelos de los tiempos futuros construyendo un hábitat del deseo.
El video es otra expresión de la muestra, el movimiento atraviesa estas imágenes creando otro tipo de montaje la del vuelo y el vértigo que nos hace participar o no como protagonistas de las escenas en la sala. Existe otro espacio que nos enfrenta al autor el que diseña el modelo del auto en su mesa , el que diseña la herramienta y que presenta el proyecto del viaje, para habitar una experiencia cristalina y no orgánica.
En este caso no permanecemos en un mismo plano horizontal , no nos deslizamos de un objeto a otro , la percepción por el contrario , no deja de volver sobre el objeto del auto formando en este un circuito.
Igualmente entre sustancia digital y simbólica están los temas del poder y el deseo, el auto , arquitectura refinada, las mujeres sensuales, los grandes ingenios extraterrestres y el undimiento del Titanic, la perdida en la materia luminosa del deseo, el brillo refulgente de las cosas que nos tienta en al publicidad y nos hace perfectas las rutas del imaginario y que como ironía tensiona la realidad y la memoria.
Dentro de este viaje por el deseo de las masas esta la construcción del auto realizada por las manos del autor….y es un objeto que en la memoria ha sido un símbolo de progreso y autonomía.
La obra nos tienta y alienta a subir a este viaje de cruces de destinos y como diría Bergsón a dejarnos llevar por imágenes circulares ópticas
Monica Van Asperen 2016
"6 Palabras" Natalia Revilla
Viernes 16 de Octubre de 2015, 20 hs.
Al amparo de las palabras, los universos de vida de toda comunidad se han ordenado en el mundo; maravillándose de él, resistiendo en sus recuerdos y propagándose en sus historias.
Desde la experiencia peculiar más fugitiva, o del cotidiano murmurar del río, una constelación de asombros cautivos se condensan en nuestras palabras significándonos. Cada lengua recoge la historia de sus gentes en un canto tejido de experiencias heredadas por sucesivas generaciones en sus tradiciones orales y escritas. La palabra, como primer eslabón de esta cadena, es la primera institución humana, de la que toda producción se sirve y participa para completar sus creaciones. Cada lengua evidencia la presencia de un espíritu comunitario y es reflejo de una forma particular de vivir en el mundo.
Vemos que toda universalidad encuentra su límite en la particularidad del testimonio y el despliegue del ímpetu comunicativo más urgente se desbarata en ambigüedades del lenguaje como las que surgen del encuentro entre distintas lenguas. Donde creemos encontrar la posibilidad de esquivar los equívocos, surgen palabras únicas que expresan lo que para nosotros sería casi un proverbio, disolviendo cualquier posibilidad de referencia en el mundo de nuestra experiencia hablada. Aun así, la incapacidad para encontrar un valor certero no desestima la sabiduría que hayamos en ellas, la que Benjamin llamó “el lado épico de la verdad”, y que encontramos en la elocuencia de su expresividad narrativa.
Esa es la cuestión a la que estas imágenes nos enfrentan. Surgidas del encuentro de un diccionario Mtsiguenga – Castellano y de entrevistas realizadas a hablantes de ambas lenguas, estas 6 palabras se presentan sin admitir paridad en la nuestra, y desde esa imposibilidad nos hablan de una cualidad compleja de la comunicación que también encontramos en la imagen. Aquí, la palabra se debate entre la trampa de resolver una equivalencia y la amplitud narrativa del mundo simbólico que las originó en sus figuraciones sobre la muerte, la naturaleza y sus gentes.
“Monte Análogo” del artista Rubén Grau
Sábado 5 de Septiembre de 2015, 20 hs
La obra de Rubén Grau investiga en el campo de la Poesía visual, explorando los límites del lenguaje a través de distintas técnicas y procedimientos, dibujo, objeto instalación y pintura formarán parte de esta maravillosa muestra.
Monte análogo
¨Lo que quiero decir es que (El Monte análogo) bien podría existir en el centro de esta mesa ¨
René Daumal
El sujeto – objeto del Arte es el artista. Para quienes transitan el arte como camino, arte y vida, ser y hacer son uno, es decir su vida es el objeto del arte y la obra es consecuencia de su trabajo sobre si , de la exploración de su mundo interior - exterior , mundos que se fusionan al atravesar el espejo. La obra fragmento de los fragmentos de ese espejo, es reflejo y fugacidad de esa travesía. Poiesis: conexión con la génesis sin nombre de lo otro, del acto creativo, exploración del reino vertical en lo cotidiano, que a veces se hace visible como el monte análogo. ¨Esa hora que puede llegar alguna vez fuera de toda hora, agujero en la red del tiempo, esa manera de estar entre, no por encima o detrás sino entre, esa hora orificio a la que se accede al socaire de las otras horas, de la incontable vida con sus horas de frente y de lado, su tiempo para cada cosa, sus cosas en el preciso tiempo¨… Julio Cortázar. Aquel instante de acceso al Monte análogo, dejando de lado el ropaje de la nada, dejando de lado por un instante la maquinaria del tener que sostiene la sólida sombra sin la Presencia. Cuando una obra se manifiesta desde esa conexión, es analogía de la cima y del abismo, una suspensión momentánea de lo que cree ser para acceder al aire fresco incorruptible, recuerdo del sabor del origen, del silencio que ve. Silla y mesa, metáfora del lugar y del campo de acción, superficie de trabajo donde se posa la superficie de las cosas para cobrar otra dimensión poética, analogía de ¨ Le grand jeu ¨ (El gran juego).
Luego de 19 años funcionando en el barrio de Palermo, Pabellón 4 Arte Contemporáneo re abre sus puertas. Esta vez en Villa Crespo, sumándose al circuito de galerías que recientemente se han instalado en este barrio.
En esta oportunidad inauguramos con una muestra grupal, que reúne 13 artistas, algunos pertenecen al Staff desde sus inicios y otros han sido incorporados en los últimos 5 años.
La muestra compuesta por pintura, dibujo, escultura, fotografía, video y objeto pone en evidencia el interés de nuestra galería en trabajar con artistas que se manifiestan en distintos soportes y disciplinas.
Piezas claves han sido seleccionadas para esta exposición, formulando asi un ejercicio de recuerdo inmediato, pretendiendo asi releer las obras y el trabajo de los ultimos años de cada artista, con el objetivo de analizar, a nuestra escala, el arte contemporáneo local.
Artsitas que integran la muestra:
Paula Otegui - Dino Bruzzone - Manuel Archain - Alejandro Thornton - Javier Bilatz Jorge Opazo - Jorge Haro - Natalia Revilla ( Perú) - Gonzalo Elvira (España) - Camilo Bojaca ( Colombia ) - Oscar Castellanos ( Colombia ) - Nicolas Miranda Espinoza ( Chile) - Liu Dao ( China ).
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